Morton Gould (1913-1996) nació en Richmond Hill, Long Island, en el estado de New York, el 10 de diciembre de 1913. Reconocido como un niño prodigio empezó a componer desde su más tierna edad. A sus cuatro años tocaba el piano y escribía las notas. A los seis realiza su primera composición, el vals Just Six que fue publicado e interpretado. Consigue una beca para estudiar en el Institute of Musical Art. Estudia piano con Abby Whiteside y teoría y composición con Vincent Jones de la New York University.
Durante los años de la Gran Depresión trabajó tocando el piano en cines y teatros de vaudeville de New York. A los 18 años es contratado como pianista por el Radio City Music Hall. Un año más tarde trabaja con la National Broadcasting Company como pianista. En 1934 empieza un contrato como director y arreglista de programas musicales para la emisora radiofónica New York’s WOR.
Leopold Stokowski con la Philadelphia Orchestra, estrena una de sus primeras obras el 2 de enero de 1936, “Chorale and Fugue in Jazz”. Con ello empieza una colaboración con importantes directores y la definición de su estilo propio, fusionando elementos cultos con populares.
El “Concierto para piano” escrito en 1938 es una de sus primeras obras importantes. Un concierto con influencias de Stravinsky. Se estrenó en una retransmisión radiofónica con el propio autor al piano. La “Folk Suite”, compuesta también en 1938 posee melodías originales del autor en un estilo popular, añadiendo dos saxos y vibráfono en el movimiento central.
La “American Symphonette Nº 2” fue compuesta en 1939 con una estética de música de jazz. Aunque usa una orquesta sinfónica y no contiene partes improvisadas, el lenguaje usado tiene muchas afinidades con el jazz. La obra está compuesta por tres breves movimientos que usan temas propios de dicha música.
El primer movimiento, moderately fast, with vigor and bounce, está construido siguiendo la tradicional forma sonata. El primer tema posee una gran fuerza rítmica, con una forma angulosa. Su repetición está acompañada por los bajos en ritmo de swing. El segundo tema presentado por la madera y la cuerda, acusa la influencia del blues. El breve desarrollo se basa en dichos temas, siguiendo su continuado ritmo. Una breve recapitulación nos conduce a la coda.
El segundo movimiento, Pavane, allegretto, está formado por cuatro temas. El primer tema es el principal del movimiento, escrito sobre un ostinato en ritmo de Boogie-Woogie. La trompeta con sordina interpreta un contagioso tema, el más recordado de todas las obras de Morton Gould. El segundo tema es un bebop, un estilo de jazz creado por Dizzi Gillespie, terminando con notas de blues. Luego se repite el tema inicial hasta la entrada del tercer tema, un nuevo elemento jazzistico de carácter lento. El tema central, correspondiente al cuarto tema es introducido por una figura clásica de banda de swing. Un tema que ha sido incluido en obras del gran clásico del jazz John Coltrane. Luego empieza una recapitulación de los temas anteriores en orden inverso, terminando con el tema inicial.
El último movimiento, very fast, racy, está escrito en forma de rondo, con dos temas que se van alternando. El primero es rítmico, derivado del tema inicial de la sinfonía. En la sección central se encuentran algunos riffs reflejando los elementos del jazz popular de la década de los años 1930. Termina con la recapitulación de los temas en sentido inverso.
Como aclaración para los que desconocen las técnicas usadas en la música de jazz, diremos que los licks son cortas frases musicales usadas en el jazz, blues y rock. Los riffs son licks que se repiten como parte de un tema o durante una improvisación.
En una entrevista Morton Gould cuenta el origen de esta obra en las siguientes frases. Escribí la symphonette para una serie radiofónica que dirigía a mediados de los años 1930. Era aquella época en que usábamos palabras como dinette y kitchenette y como se trataba de una pequeña sinfonía la llamé symphonette.
La obra se ha convertido en la más popular de su autor, especialmente la Pavane. Una pequeña obra maestra de la música genuinamente americana. Su ritmo sincopado, el familiar acompañamiento de la batería y el material temático usado, realizan la ilusión de que una obra sinfónica se convierta en una pieza de banda de jazz.
Gould se convierte en director de dos populares programas musicales de la emisora CBS, Cresta Blanca Carnival y The Chrysler Hour, para los cuales compone música sinfónica. Una de las obras más conocidas durante el periodo como director musical en programas radiofónicos de la CBS, fue la “Foster Gallery”, compuesta en 1939. Se trata de una obra basada en canciones y danzas de Stephen Foster presentada de una forma similar a la de los “Cuadros de una exposición” de Mussorgsky, terminando con el conocido tema Oh Sussana.
La “Latin American Symphonette” (Symphonette Nº 4) fue compuesta en 1940. Es la última de las cuatro pequeñas sinfonías escritas para los conciertos radiofónicos. Las tres primeras usan temas de los Estados Unidos, siendo ésta la única dedicada a temas populares de Latinoamérica.
Se estrenó el 22 de febrero de 1941 en la Brooklyn Academy of Music de New York, interpretada por la National Youth Administration Symphony dirigida por Fritz Maler. La obra se convirtió en una de las más interpretadas del autor, adaptándose varias veces a coreografías de ballet. Grandes directores como José Iturbi o Leopold Stokowsky la grabaron en disco.
Está orquestada para una orquesta sinfónica clásica, añadiéndole saxos, guitarra y una amplia sección de percusión comprendiendo tom-toms, calabazas, cencerros, marimba, vibráfono y otros considerados como instrumentos exóticos en la época de su estreno.
El primer movimiento, Rhumba, está construido según la forma sonata en miniatura. Después de una breve introducción, aparece el primer tema rítmico contrastando con el segundo de carácter melódico, acompañados por el ritmo rumbero. Después del corto desarrollo termina con la clásica recapitulación. La rumba es un tipo de danza nacida en Cuba, traída por sus esclavos de África.
El segundo movimiento, Tango, corresponde al movimiento lento de la sinfonía. Está escrito en forma de canción lírica en ritmo de tango. En su desarrollo toma el aire del popular tango argentino.
El tercer movimiento, Guaracha, es la parte correspondiente al scherzo. El ritmo de la guaracha cumple el objetivo de danza. En el trio encontramos una variación en ritmo de swing. Termina con una abreviada repetición de la parte inicial. La guaracha es un tradicional ritmo cubano, que luego se adaptó en México. Una de sus derivaciones es la guajira.
El último movimiento, Conga, se inicia rítmicamente propulsado por la percusión. Su desarrollo es interrumpido por una breve cadencia lenta. Luego retorna el ritmo, continúa creciendo hasta un apoteósico final. La conga es otro baile popular cubano de ritmo sincopado, de origen africano.
Una sinfonía que usa el denominado estilo de fusión, entre los ritmos populares latinos y la música clásica. Una música que nunca será considerada de vanguardia, pero que por su facilidad de comprensión está al alcance de un público mayoritario.
El “Fanfare for Freedom” es una obra escrita en 1942, para un pedido de Eugene Goosens, director de la Cincinnati Symphony. Como una colaboración patriótica había pedido a los más importantes compositores de la época entre ellos Piston, Bernstein, Copland, Harris, Hanson y Creston, obras en forma de fanfarria para metal y percusión.
“American Salute” compuesta en 1943 es una brillante adaptación orquestal de la famosa canción americana de Patrick Gilmore, “When Johnny Comes Marching Home”, una popular marcha de la Guerra Civil. Compuesta para la radio como un saludo a los aliados durante la guerra, pronto se convirtió en una obra popular.
En el mismo año compone el “American Concertette for piano and orchestra” para el pianista José Iturbe, invitado en uno de sus programas radiofónicos Cresta Blanca, estrenándolo el 25 de agosto de 1943. Dos años después fue adaptado para el ballet, recibiendo el nombre de “Interplay”.
La “Sinfonía Nº 1” llamada originalmente Victory Ode,como respuesta a la Segunda Guerra Mundial,fue compuesta en 1943, en una época como podemos comprobar, muy fértil del compositor, pero sin poseer en la actualidad más referencias sobre la misma.
Las obras más serias de Gould tuvieron una menor capacidad de divulgación. El “Concierto para viola y orquesta” escrito para la radiodifusión en 1943, no se estrenó públicamente en América hasta el mes de septiembre de 1983
La “Sinfonía Nº 2” (On Marching Tunes) fue compuesta en 1944 para la celebración del centenario de la Young Men’s Christian Association. Está dedicada a la juventud mundial amante de la paz. Se estrenó el 4 de junio de 1944 en una producción radiofónica, en el Carneglie Hall de New York, interpretada por la New York Philharmonic dirigida por Vladimir Golschmann.
Encontramos una divertida anécdota referente al día de su estreno, contada por su biógrafo Peter Goodman. El día anterior al de su estreno el director Golschmann tenía previsto la realización de un ensayo general y preguntó al compositor si asistiría al mismo. Sorprendentemente Gould, una persona muy comprometida con el trabajo, dijo que no, dando la excusa de que estaba muy atareado. Después del concierto Golschmann encontró al compositor en el Russian Tea Room del Carneglie Hall, acompañado de una mujer diciéndole, “Te presento a mi esposa Shirley”. El director con sorpresa replicó, “no sabía que estabas casado. ¿Cuando fue la boda?”. Gould contestó, “ayer”.
El primer movimiento, brisk march tempo, with lusty drive and vigor. Lleva el título, Variations. El tema de las variaciones es una marcha popular. Después de presentar el tema, una pausa da paso a la primera variación alternando la madera y cuerda. La segunda variación es interpretada por la madera con intervenciones solistas, dando paso a una brillante interpretación por toda la orquesta con ritmo influenciado por el jazz. Sigue con una versión con un acusado ritmo marcado por la percusión, que brillantemente nos conduce a la coda.
El segundo movimiento, slowly, with nostalgic meditation, se titula Bivouac, nos presenta un dulce tema lento contrastando con el anterior movimiento. A la guerra expresada en el anterior movimiento ha llegado la paz. Como expresa su título nos presenta un momento de descanso con su nostálgica melodía. En la parte central la madera repite el tema de un modo más folk seguida por la cuerda, hasta volver a la dulzura del principio.
El tercer movimiento, fast-driving tempo, with rowdy spirit, lleva el título Quickstep. Corresponde al scherzo de la obra, en forma de una rítmica danza iniciada por el metal. Un tema que sería llamado según el lenguaje de la marina de la época, gung-ho, una palabra de procedencia china, con el significado de excesivamente entusiástico. El sonido empleado es del tipo country con sus pícolos, trombones y percusión. Durante el trio escuchamos perfectamente el tema popular escogido para el movimiento. El ritmo empleado es el de un quickstep, una forma de baile nacido en la década de los 1920 en los Estados Unidos, derivado del foxtrot, con un ritmo más rápido. Actualmente ha pasado al grupo de los bailes standard, con sus pasos saltarines, que se interpretan en los concursos de baile.
El último movimiento, slow with intensity and feeling, se titula Memorial. El ambiente ha cambiado brutalmente. De la excesiva alegría anterior pasamos a la pena, recordando la memoria de todos los que dieron la vida en defensa de la paz. Unas notas de marcha fúnebre abren el movimiento. El tema de esta última marcha no es un motivo brillante ni festivo. Se trata de una marcha suave, que se desliza con seguridad. En la parte central el pizzicato de la cuerda nos conduce a una serena repetición del tema, que va creciendo hasta llegar a un dramático crescendo, con la ayuda de la percusión. En la parte final el tema se va diluyendo en la distancia, como una despedida.
La obra se estrenó poco antes del desembarco aliado en Normandía, en un clima de gran excitación militar para llegar a la victoria final. Pero una victoria que ya se había cobrado muchas vidas. La sinfonía nos presenta una reflexión sobre estos acontecimientos.
Además de sus sinfonías Gould compone música para los teatros de Broadway, “Billion Dolar Baby” en 1945 y “Arms and the Girl” en 1950. También compone bandas sonoras para el cine y más tarde para documentales televisivos.
La “Sinfonía Nº 3” fue empezada en los últimos meses de 1946, terminándola en enero de 1947, poco antes de nacer su primer hijo. Escrita para la Dallas Symphony, es la mas íntima y seria de sus sinfonías. La obra está dedicada a su madre y a su padre.
El primer movimiento, moderately fast, rhapsodic and intense, empieza con un tema irregular, que crece al ser interpretado por las trompetas. Un segundo tema más lánguido es presentado a continuación. En forma rapsódica van alternando partes rápidas con momentos de reposo. El tema principal toma un aspecto fuertemente rítmico, antes de una nueva aparición del tema lento. En la parte final se presenta una áspera marcha empleando ritmos cruzados, antes de una determinante coda.
El segundo movimiento, moderately slow and relaxed, contrastando con el ímpetu del anterior es más meditativo. Un motivo con algunos matices de influencia del jazz, se desarrolla lentamente en un ambiente apacible. Pero la tensión no desaparece totalmente, como lo demuestra el pizzicato de la cuerda en algunas frases o el agresivo motivo presentado por los violines.
El tercer movimiento, moderately fast with sardonic humor, corresponde al scherzo. Gould usa dos frases mordaces que las emplea en forma contrapuntística. A partir de este motivo compuesto va añadiendo material, hasta convertirse en un torbellino, que debe presentar un carácter burlón como pide el compositor en su título. El trio toma la forma de marcha, después del cual retorna el material inicial, hasta llegar a su climax con fuertes golpes de la percusión, con estilo jazzistico.
El último movimiento, declamatory, moving tempo, estaba escrito en forma de una sombría passacaglia y fuga en el día de su estreno. Gould había escrito un final más brillante en su primera versión, pero Dimitri Mitropoulus, el director de la New York Philharmonic, gran defensor de la música de Gould, aconsejó cambiar el movimiento final por otro más lento y sombrío. Gould cambió totalmente el movimiento, sustituyéndolo por una Passacaglia and Fugue que acababa de componer. Mitropoulos estrenó esta versión el 28 de octubre de 1948. El movimiento recibió una reacción poco positiva por parte de la audiencia.
Cuando David Alan Miller preparó la grabación para el sello Albany, realizada el 15 de abril de 2000, con la Albany Symphony Orchestra, se encontró con la partitura original del día de su estreno, viendo que el último movimiento estaba escrito en un papel diferente y parecía tener un carácter distinto. Consultó con el biógrafo de Gould, Peter Goodman, que le mencionó la existencia de una primera versión de la misma. En la editorial de las obras de Gould descubrió, escondida en un cajón durante más de medio siglo, la partitura original. Comparando los dos movimientos finales, Miller encontró que la primera versión era mucho mejor, siguiendo el espíritu de la obra que la que se había estrenado. Esta versión original restaurada es la que se ha llevado al mundo del disco.
Después de una introducción lenta, se presenta un tema de carácter rítmico sincopado, dando a la obra un sabor realmente americano. Con una estructura semejante al movimiento central, el tema lento reaparece en la parte central. Pero pronto recupera su fuerza rítmica en forma de una potente marcha. Una breve recapitulación termina con una dinámica coda.
Puede ser la más original de sus sinfonías, que sin necesidad de presentar claramente sus temas posee un sabor claramente influenciado por la música de jazz, pero tratado con una mayor sofistificación. Quizás por su mayor complicación técnica la obra no ha tenido la difusión de sus obras de carácter más eminentemente popular.
En 1948 Morton Gould escribe para la coreógrafa Agnes DeMille un ballet sobre el tema del presunto asesinato de su padre y de su madrastra por Lizzie Borden, con el título “Fall River Legend”, estrenado el 22 de abril de 1948 con Alicia Alonso bailando el papel de la acusada. La mujer fue absuelta por falta de pruebas, pero Gould mediante una licencia poética la encuentra culpable, condenándola a la horca.
La “Sinfonía Nº 4” (West Point Symphony) fue compuesta durante los meses de enero y febrero de 1952. Escrita para banda, la obra fue pedida por el director de música de la Academia Militar y oficial de mando de la United States Military Band, Francis Resta.
Localizada al norte de la ciudad de New York a orillas del Hudson, la United States Military Academy fue creada por el Presidente Thomas Jefferson en 1802. La sinfonía estaba escrita para la celebración de su 150º aniversario. Se estrenó el 13 de abril de 1952, interpretada por la Academy Band dirigida por el propio compositor.
El primer movimiento, Epitaphs, empieza con la presentación del tema principal de un carácter elegíaco y de diversos motivos que serán empleados en la obra. Contrastan las sonoras frases del metal, frente a la suavidad de la madera. Después de una solemne exposición de uno de los motivos por el metal, un motivo melódico de transición cierra esta sección. Un tema de carácter marcial es presentado por la tuba, en forma de passacaglia, acompañada por el ritmo de marcha marcado por los golpes dados por los pies de los ejecutantes. Continúa mediante una serie de variaciones sobre este tema, que van aumentando en intensidad hasta llegar a su climax. Termina con el regreso del tema inicial, con un breve recuerdo del ritmo de la passacaglia marcado por los pies.
El segundo movimiento, Marches, posee un carácter alegre, presentando una serie de estilizadas marchas con diferentes variaciones rítmicas y el empleo de algunas formas canónicas. Una de las últimas variaciones simula una orquestación basada en pífanos y tambores, la instrumentación original de la West Point Band. El pífano, fife en inglés, consiste en una pequeña flauta travesera muy aguda, tradicionalmente usada por la infantería acompañada por la caja. Una coda con marciales fanfarrias cierra la obra.
Después del éxito conseguido con el ballet “Fall River Legend”, Gould intenta abandonar la música ligera, que tantos triunfos le había ofrecido en años precedentes, aceptando una propuesta de Dimitri Mitropoulos, director de la New York Philharmonic Orchestra entre 1950 y 1958. La composición de una obra seria empleando la técnica dodecafónica, sobre una historia de horror inspirada en el libro de Stevenson, “Jekyll and Hyde Variations” .Se estrenó dirigida por Mitropoulos el 2 de febrero de 1957. La obra fue muy mal recibida por el público, que esperaba una obra del clásico estilo ligero de Gould, viéndose sorprendido por una obra que empleaba las técnicas más modernistas.
Poco tiempo después Mitropoulos, amante de presentar obras modernas, abandonaba la orquesta, con lo cual las variaciones de Gould no fueron nunca más interpretadas, hasta su grabación en el año 2004.
Volviendo a un género más ligero, Gould compone en 1958 la banda sonora del film “Windjammer”. En “Spirituals for Strigs” compuesta en 1959 adapta para orquesta de cuerda, una serie de famosos spiritual songs, una música religiosa que es conocida popularmente como gospel.
“Festive Music” fue terminada en el mes de diciembre de 1964, escrita para la celebración del 50º aniversario de la Tri-City Symphony Orchestra. Una de las tres ciudades es Davenport, Iowa, donde nació el famoso trompeta de jazz Bix Beiderbecke. La obra requiere un solista de trompeta fuera de la escena en su recuerdo, pero sin imitar su estilo. Durante los ensayos efectuados en el mes de enero, hacía tanto frío en el corredor externo donde se encontraba el solista de la trompeta, que se le congelaron las válvulas. Gould comentó que en su obra necesitaba una trompeta fuera de la escena, pero no un helado de trompeta.
Como director recibe un Premio Grammy en 1966 por su grabación de la “Primera Sinfonía” de Ives con la Chicago Symphony Orchestra. Es uno de los varios premios que recibirá durante su vida.
Gould compone en 1967 “Columbia” para la inauguración del Merriweather Post Pavilion, el local de verano de la National Symphony Orchestra situado en Columbia, Maryland. Se trata de una breve obra conmemorativa, en la que usa diversos temas populares relacionados con Columbia. “Soundings” compuesta durante el verano de 1969, es una obra más complicada, consistente en una exploración de sonidos, escrita usando un idioma modernista.
Para la celebración del bicentenario de los Estados Unidos en 1976, Gould recibió tres pedidos. Uno del New York State Council for the Arts, para el que compuso “American Ballads”, otro del U.S. Department of Labor, con la escritura de la cantata “Something to Do” para el Kennedy Center, una forma de celebración del día del trabajo y el tercero para el National Endowment for the Arts, con su “Symphony of Spirituals” que comentaremos seguidamente.
La “Symphony of Spirituals” no recibió ningún número de orden por su autor considerándola como una obra especial. Como se ha dicho es el resultado de un pedido para la celebración del bicentenario de los Estados Unidos. Anteriormente había escrito otras obras adaptando canciones espirituales para orquesta. La primera había sido “Spirituals for Orchestra” en 1940. Luego en 1959 compone “Spirituals for Strigs”.
La obra actual la terminó durante la primavera y el verano de 1975, en un retorno a su anterior estilo, pensando que para una celebración patriótica debía escribir algo que reflejara los sentimientos del pueblo americano. Se estrenó el 1 de abril de 1976 interpretada por la Detroit Symphony Orchestra dirigida por Aldo Ceccato.
El primer movimiento, Hallelujah, empieza tranquilamente de un modo misterioso. Emplea un lenguaje moderno, sin hacer referencia a ningún espiritual conocido. Está construido en forma de una fantasía fugada. En el fondo se encuentra un sentimiento positivo reflejando la palabra que da título al movimiento.
El segundo movimiento, Blues, consiste en una canción fúnebre, empezando en un estilo clásico. En el desarrollo se emplean recursos derivados del jazz pero en un estilo personal progresista, que nos lleva a un dramático climax. Termina regresando al estilo clásico inicial.
El tercer movimiento, Rag, correspondiente al scherzo, toma como base una forma estilizada del ragtime, una danza de los primeros tiempos de la música de jazz, como modelo rítmico de danza. Combina distintos modelos rítmicos empleando una variada orquestación.
El último movimiento, Shout, consiste en una tocatta, donde alternan en forma antifonal, frases de los solistas con respuestas masivas de la orquesta, de forma parecida al primer movimiento. Shout es el nombre de una danza practicada por los esclavos negros, bailando en círculo dando gritos rituales. Gould realiza una abstracción de la misma intercalando fragmentos rítmicos que simbolizan el baile. Con este ambiente altamente rítmico termina la obra.
Se trata de una obra de difícil catalogación, con una estructura comparable a una sinfonía de carácter libre. Emplea el estilo serio de la época madura del compositor, sin realizar concesiones al estilo popular.
Como se ha visto anteriormente, otra de las obras escritas para el bicentenario de los Estados Unidos fue “American Ballads” que se estrenó el 24 de abril de 1976. Una obra patriótica escrita en un lenguaje popular, con citación del himno nacional americano, himnos patrióticos, gospel, toques militares, además de canciones líricas americanas. Escrita en forma de suite sus movimientos pueden interpretarse aisladamente. Una obra escrita en el estilo clásico popular con el cual se había hecho famoso.
Otra de las obras escritas por encargo es “Housewarming” una breve obra compuesta para la inauguración del Joseph Meyerhoff Symphony Hall en 1982, en la cual el público puede participar, siguiendo el ritmo con las manos en el último movimiento. “Flourishes and Galop” escrita también por encargo en 1983 para la sesión de inauguración del nuevo auditorio del Kentucky Center for the Arts en Louisville, Kentucky.
En el mes de marzo de 1986 Gould es nombrado Presidente del ASCAP, American Society of Composers, Authors and Publishers, cargo que conservará hasta 1994.
Mención especial merece una de sus últimas obras “String Music”, compuesta para la National Symphony Orchestra y su director Mstislav Rostropovich que la estrenó el 10 de marzo de 1994. Una amplia obra lírica en forma de suite con la que ganó el premio Pulitzer en 1995.
Mientras trabajaba como artista residente en el recién fundado Disney Institute en Orlando, Gould muere el 21 de febrero de 1996. Con ello desaparecía uno de los grandes defensores de la música americana que supo combinar la música clásica con la música popular con una gran maestría.