René Leibowitz (1913-1972) es un compositor francés de origen polaco y judío. Nació en Varsovia el 17 de febrero de 1913. Su familia se mudó a París en 1926. No se sabe por qué razón afirmó que entre 1930 y 1933 había estudiado con Arnold Schönberg en Berlín y con Anton Webern en Viena. De hecho, su nombre está ausente de los cuadernos de Anton Webern y no aparece en la correspondencia de Arnold Schönberg hasta después del final de la Segunda Guerra Mundial. Del mismo modo, parece muy dudoso que estudiara orquestación con Ravel, que tenía muy pocos alumnos. Lo mismo ocurre con sus estudios de dirección con Pierre Monteux.
En París, Leibowitz se ganaba la vida como pianista de jazz y componía constantemente. A los veinte años se casó con una artista de una ilustre familia francesa y se estableció en París, tomando finalmente la nacionalidad francesa. A principios de la década de 1930 fue introducido a la técnica dodecafónica de Schönberg por el pianista y compositor alemán Erich Itor Kahn.
Sus intereses estéticos no se limitaron a la música y se hizo amigo de las principales figuras del mundo del arte moderno, en particular de André Masson y Pablo Picasso y de figuras literarias como Jean-Paul Sartre, Simone de Beauvoir y Albert Camus. Para Leibowitz componer era su actividad más regular y la que consideraba más importante, aunque era más conocido por sus comentarios, sus escritos críticos y analíticos, su dirección y su enseñanza, todo lo cual consideraba secundario.
Durante la Ocupación, se vio obligado a esconderse, debido a sus orígenes judíos, en la casa de Saint Tropez de Louis Durey, pero prestó su ayuda a la Resistencia. Este período de ocultación forzada le permitió componer sus primeras obras, así como los primeros bocetos de sus libros teóricos sobre el lenguaje dodecafónico. Después de la Liberación, mostró una gran actividad como compositor, teórico, pedagogo, crítico musical y finalmente director orquestal.
Leibowitz se mantuvo firmemente comprometido con la estética musical de Arnold Schönberg, y fue hasta cierto punto marginado entre la vanguardia francesa en la década de 1950, cuando, bajo la influencia de su antiguo alumno, Pierre Boulez y otros, la música del discípulo de Schönberg, Anton Webern, fue adoptada como el modelo ortodoxo por los compositores más jóvenes. Después de 1945, René Leibowitz fue uno de los principales defensores europeos de las obras de la Segunda Escuela Vienesa, en París sobre todo, pero también en la Internationale Ferienkurse de Darmstadt a partir de 1946.
Lo que es menos conocido, sin embargo, es la obra compositiva de Leibowitz, que comprende más de 90 obras en prácticamente todos los géneros. A pesar de que siempre insistió en la necesidad de una interacción entre la teoría y la práctica, componiendo durante cuarenta años, no fue indiferente al éxito de sus obras, siendo notablemente discreto como compositor. Sus primeras obras datan de la década de 1930. Su primera ópera, "Todos caeran", basada en un libreto original, se completó en 1972 poco antes de su muerte.
Como director de orquesta su discografía es bastante amplia pero como compositor es muy escasa. No se encuentra ninguna grabación de sus sinfonías. Dentro del género sinfónico encontramos las siguientes obras.
"Sinfonía" Op.4 compuesta en 1941.
"Sinfonía de Cámara para doce instrumentos" (A la memoria de Anton Webern) Op.16, compuesta en 1948.
"Sinfonía para solistas, narrador y coro" (Traüme vom Tod und vom Leben) Op.33 compuesta en 1955.
"Sinfonietta da camera" (À Luigi Rognoni) Op.55 compuesta en 1961.
Entre el resto de sus obras se encuentran el "Double Concerto pour violon, piano et 17 instruments (Alban Berg in memoriam) Op.5 de 1942, las "Variations pour orchestre (à Max Deutsch) Op.14 de 1946. el "Concerto pour piano et orchestre" Op.32 de 1954, el "Concertino pour alto et orchestre de chambre" Op.35 de 1954.
"Symphonic Fantasia à la mémoire d'Erich-Itor Kahn" Op.39 de 1956, la "Ouverture pour orchestre" Op.48 de 1958, el "Concerto pour violon et orchestre" Op.50 de 1958, el "Concertino pour trombone et orchestre" Op.53 de 1960
"Marijuana variation sérieuse" Op.54 de 1960, el "Concerto pour violoncelle et orchestre" Op.58 de 1962, el "Cuarteto de cuerdas Nº 5" Op.59 de 1963, "Les Espagnols à Venise" Op.60, opéra bouffe en 1 acto compuesta en 1963 o la "Rapsodia Sinfónica" Op.63 de 1965.
Como director orquestal interpretaba a los compositores más reconocidos por el público, los más famosos históricamente, sin reprobar sus estilos. En cuanto a compositor se encerró en la música dodecafónica al comprender que no podía competir con los maestros del pasado. Por ello no deseaba interpretar sus propias obras, componía para él. Sabía que su música no era aceptada pero tampoco le importaba. Su idealismo era totalmente personal.
A lo largo de su vida, Leibowitz sostuvo a Schönberg como su modelo y honró la injusticia con la que Schönberg estimuló los desarrollos musicales desde el espíritu de la tradición. En el centro del interés de Leibowitz en Schönberg estaba la técnica dodecafónica, a la que se aferró a pesar de que significaba el aislamiento de sus contemporáneos. Leibowitz vio la singularidad de este método compositivo en la síntesis de la disciplina constructiva y la libertad inventiva. Era tarea de los seguidores de la escuela de Schönberg sondear las posibilidades de este método, que estaban lejos de agotarse.
Aunque Leibowitz era receptivo a una amplia gama de estilos musicales, no podía soportar la música de Sibelius y publicó un folleto sobre él bajo el título de Sibelius: el peor compositor del mundo, también criticó severamente a Bartók por escribir música que era demasiado accesible. Leibowitz sintió que al no adoptar la dodecafonía en sus obras posteriores, Bartók estaba complaciendo el gusto popular en lugar de ayudar a alejar la música de la tonalidad, de acuerdo con las nociones de Leibowitz de inevitabilidad histórica y el deber de los compositores. Para Leibowitz, escribir una obra popular como el Concierto para orquesta de Bartók fue una traición al modernismo.
Después de la Segunda Guerra Mundial, jóvenes compositores como Pierre Boulez y Hans Werner Henze fueron directamente a Leibowitz para aprender sobre la técnica dodecafónica. En la hora cero, los jóvenes compositores esperaban que el método entonces ampliamente desconocido condujera a un nuevo comienzo. Sin embargo, la dependencia de Leibowitz de un acceso tradicional a la música pronto entró en conflicto con el zeitgeist o espíritu del tiempo.
Esto se había vuelto obvio para todos en 1951, cuando Pierre Boulez, el portavoz de la vanguardia francesa, dio su conferencia Schönberg está muerto en Darmstadt. Fue una despedida simbólica de esta mentalidad tradicional. La música serial llegó a dominar el desarrollo musical contemporáneo, obligando a Leibowitz a retirarse del ojo público. Leibowitz murió repentinamente en París el 28 de agosto de 1972, a la edad de 59 años.
Muchos de los trabajos de la Segunda Escuela de Viena fueron escuchados por vez primera en Francia en el Festival Internacional de Música de Cámara, creado por Leibowitz en París en 1947. La actividad docente de Leibowitz tuvo muchísima influencia para consolidar la reputación de tales compositores.
Como director de orquesta, Leibowitz participó en muchos proyectos de grabación. Uno de los más difundidos y más importante fue un ciclo de las sinfonías de Beethoven, grabadas alrededor de 1960, aparentemente la primera grabación de esas sinfonías siguiendo las indicaciones metronómicas originales de Beethoven: esta aproximación de Leibowitz fue influenciado por su amigo y colega Rudolf Kolisch.
Uno de los escritos más conocidos de Leibowitz publicado en 1950 en París, fue "L'artiste et sa conscience", ensayo en el que utiliza la filosofía de Sartre para refutar el decreto Zhdanov.
Tuvo como alumnos a futuros compositores como Pierre Boulez, Jacques-Louis Monod, Serge Nigg, Vinko Globokar, Mikis Theodorakis, André Casanova, Josep Soler i Sardà, Antoine Duhamel, Hans Werner Henze, Janet Maguire, Pierre Henry, Keith Humble, Allan Pettersson, Hans Ulrich Engelmann, Antoine Duhamel y más tarde, Michel Puig, Pierre Chan, Keith Humble, o directores como Diego Masson y pianistas como Claude Helffer, así como el pionero del arte informático John Whitney.Citations.