Marc Timón i Barceló (1980-) nació en Castell d'Empuries el 5 de marzo de 1980. Licenciado en Periodismo en 2002 por la Universidad Autónoma de Barcelona y en Composición Musical en 2006 por la Escola Superior de Música de Catalunya, ESMUC.
Compositor polifacético escribe música sinfónica, coral, de cámara además de música de jazz, bandas sonoras para el cine y documentales, comedias musicales, pop-rock, música electrónica y para videojuegos.
Además es tible solista en la Cobla Sant Jordi-Ciutat de Barcelona y en el The New Catalan Ensemble. También actúa como director de su propia obra. Aparte de la música, antes de licenciarse en la ESMUC, su pasión por el arte, la literatura y el cine lo llevaron a licenciarse en Periodismo empezando una faceta como escritor.
Entre su música sinfónica se encuentran grandes producciones como las descritas a continuación.
"Músicas que enamoran" se estrenó en la Sala Sinfónica de l'Auditori de Barcelona el 20 de junio de 2005 interpretada por el Conjunt XXI. Es un musical cómico-sarcástico sobre los tópicos del mundo de la música clásica.
"Havanera" es una banda sonora para orquesta sinfónica, combo de latin-jazz y coro fue compuesta en 2006 y estrenada al Teatre Jardí de Figueres el 30 de abril de 2006.
"Havanera", dirigida por Ariadna Bassols, cuenta las aventuras de los inmigrantes a principios de siglo XX que en busca de hacer fortuna dejaban la península para descubrir un mundo nuevo en Cuba.
In 1850, Narcís deja Catalunya soñando en una nueva vida en Cuba que le proporcionaría dinero y éxito. En su humilde pueblo su mujer y sus amigos pescadores lo esperan, pero un ardiente amor en Santiago de Cuba complicará para siempre su situación.
Banda sonora de tipo clásico que contiene música de carácter melódico, canciones cantadas en catalán, música romántica cargada de nostalgia, números inspirados en la música folclórica cubana con canciones al estilo de la isla, música de jazz. Un género que nos recuerda a los grandes creadores de música cinematográfica adaptada a las diversas situaciones que se presentan en la acción.
Consta de los siguientes números:
- El muelle de Palamós
- La vida da mil vueltas
- Elisa
- Ball pla y corranda
- Partida hacia Cuba
- En el puerto de la Habana
- Llegada al nuevo mundo
- Bienvenida
- Trabajo frenético en el puerto
- Cartas no correspuestas
- El enriquecimiento de Narcís
- El dolor de Elisa
- Siento olor de lluvia cuando tu cuerpo me moja
- Preparativos ...
- Fiesta colonial
- Contradanza cubana
- Danzón de anochecer
- Esa rica salsa!
- Humillación de Narcís
- Réquiem para Elisa
- Final
La Banda sonora fue grabada en Ucrania con la Orquesta Filarmónica de Rivne y en Barcelona con la Tymon's Latin Band, el Kurka Choir y Sílvia Pérez, Celeste Alías y Marc Timón como voces solistas. Ganadora del Premio Internacional Jerry Goldsmith 2007 en la categoría de proyectos de desarrollo.
"Cathedral lucis" compuesta en 2007 para violín solista y orquesta de cuerda. Con una duración de unos nueve minutos fue estrenada en la Catedral de Castelló d'Empúries el 23 de septiembre de 2007, interpretada por la Orquestra de Cámara de l'Empordà y el solista Frederic Descargues. Obra que conmemora el milenario de la Catedral de Santa María de Castelló d'Empúries.
"DesCatalunya" compuesta en 2007 para narrador, soprano, coro y cobla, se estrenó en el Teatre Cirviànum de Torelló interpretada por Anna Alàs, el Cor Municipal de Berga y la Cobla Mediterrània el 26 de mayo de 2007.
Una obra que es una crítica feroz de la relación entre Catalunya y España, con un texto escrito por el propio compositor. Música de estilo melódico con carácter nacionalista.
"25 anys d'aventures" para cobla y percusión compuesta en 2007 se estrenó en el mes de febrero de 2009 en el Teatre Zorrilla de Badalona interpretada por la Cobla Marinada.
- I- Els Aplecs de Castelló d'Empúries, nos presentan una música alegre y bulliciosa mediante un tema vivo y un segundo contrastante de forma dulce y melódica.
- II- Dubtes, es un breve movimiento con un carácter más dramático que el anterior, como requiere la expresión del sentimiento de duda.
- III- Marinada atramuntanada, termina la obra con un tema rítmico y su parte contrastante melódica, afirmando el carácter festivo de la obra. Una coda de tipo popular cierra la partitura.
El "Concert per a piano i cobla Nº 1" fue terminado en el mes de mayo de 2008, dedicado a la Cobla Sant Jordi-Ciutat de Barcelona con motivo de su 25º aniversario. Estrenado en el Festival Grec de Barcelona el 4 de julio de 2008, interpretado por el pianista Albert Guinovart y la Cobla Sant Jordi-Ciudad de Barcelona, dirigidos por Salvador Mas.
En la partitura su autor escribe la siguiente frase. De la foscor més negra del més llunyà dels infinits sorgeixen per cosir-nos de desencís i ombra... De la más negra obscuridad del más lejano de los infinitos surgen para cosernos de desencanto y sombra ...
En su dedicatoria a la citada cobla añade lo siguiente. En aquest paradoxal món nostre de la cobla, la vostra visió de futur i el vostre rigor en la feina ben feta són els fonaments bàsics per reconstruir el nostre estimat i malmès edifici en runes.
En este paradoxal mundo nuestro de la cobla, vuestra visión de futuro y vuestro rigor por el trabajo bien hecho son los fundamentos básicos para reconstruir nuestro amado y deteriorado edificio en ruinas.
Está orquestado para piano solista, flabiol, dos tibles, dos tenoras, dos trompetas, trombón, dos fiscornos, contrabajo, timbales y una abundante percusión con plato suspendido, platillos, bombo, caja, glockenspiel, campanas tubulares, triángulo, gong, tom-tom, palo de lluvia, maracas y látigo.
El primer movimiento, scuro, plantea muchas ideas musicales que más tarde desarrollará. Empieza con obscuras intervenciones de la percusión. El piano entra con una melodía repetitiva que da paso a la cobla. Motivos rítmicos agitados alternan con melódicas intervenciones del solista. Un tema de influencias de Rachmaninov nos conduce a frenéticos ritmos, que nos llevan a una coda donde el piano va desapareciendo lentamente, para conectar con la introducción del próximo movimiento.
El segundo movimiento, adagio con tenerezza, después de una delicada introducción el piano presenta un tema de carácter melódico. Un tema romántico de contornos suaves que pasa a la cobla. Música que toma un carácter casi cinematográfico en su desarrollo. Termina mediante una coda de gran sutileza.
El tercer movimiento, presto infernale, es de carácter rítmico como marca su inicio. Pero pronto presenta mediante el piano solista una melodía cantabile de gran belleza y aliento romántico, que desarrolla la cobla. Alterna con el tema rítmico hasta llegar a la cadenza que nos conduce al tutti final, donde resuelve las expectativas formuladas desde el inicio del concierto.
"Girona aimada" fue compuesta en 2008 para orquesta de cuerda, cobla, arpa y percusión. Se estrenó en l'Auditori de Girona interpretada por la Orquestra de Cambra de l'Empordà y la Cobla La Principal de la Bisbal en noviembre de 2008.
Consiste en una breve obra de carácter popular catalán con ritmo de sardana, compuesta por un tema rítmico y un segundo ampliamente melódico.
"Witches" (Brujas) fue compuesta en 2009 para orquesta, conjunto de música antigua y coro. En la Edad Media, las mujeres que conocían el poder de las hierbas medicinales eran acusadas de brujería. El castigo de la Inquisición era implacable y después de ser sometidas a inimaginables torturas eran quemadas en la estaca. Pero Isolda es una mujer fuerte, que buscará su salvación a través del amor.
El 19 de enero de 2013 en el Casal de Fals dentro de la programación de la segunda temporada de L'Agrupació Mediterrània Dansa de Figueres, se presentó el espectáculo "Bruixes" donde se experimenta con los bailes de raíz popular en forma de danzas medievales fusionadas con la danza contemporánea según una coreografía de Ariadna Bassols.
Violante e Isolda son las dos protagonistas de un cuento en el marco de una época obscura de nuestra historia. La caza de brujas de la Edad Media. Violante, de familia noble y con un destino marcado por un contrato matrimonial y la necesidad de un heredero, e Isolda una campesina que recoge la herencia de la sabiduría popular convirtiéndola en una astuta remeiera, recogedora de hierbas medicinales y curandera, cruzan sus destinos para forjar una amistad que supera todo tropiezo. La fuerza y la magia de dos amigas enfrentadas a una época donde la habilidad y el conocimiento llevaba a la hoguera.
La banda sonora fue grabada en Ucrania por la Lviv Symphony Orchestra y en Barcelona por l'Ensemble Nova Anticua, el Kurka Choir, La Principal del Funk y Marta Carretón, Glòria Fernández y Marc Timón como voces solistas. Ganadora del Premio Internacional Jerry Goldsmith 2010. Consta de los números siguientes:
- Brujas, tema principal
- Pociones y conjuros
- La danza del pueblo
- La vida en los castillos
- La danza de la corte
- La boda
- Haciendo remedios
- Buscando el heredero
- El trovador es el padre
- Tema de amor de Violante y el trovador
- Les curaciones de Isolda
- El Inquisidor: contra la blasfemia y la brujería
- El lamento de Isolda
- Transformación mágica de Isolda
- Brujas. Títulos finales
- La danza de pueblo Remix (DJ Tymon)
Música escrita en un estilo clásico que nos recuerda grandes producciones del pasado. El tema principal de Witches posee un especial encanto. La danza del pueblo está escrita en un apasionante estilo de música medieval con instrumentos antiguos y la participación de voces que cantan en catalán.
La vida en los castillos nos presenta uno de los principales temas dramáticos, que crece en su última sección dando intensidad a la acción. La danza de la corte es otra muestra del conocimiento de las danzas antiguas cortesanas, que continua con las fanfarrias y danzas medievales de La boda.
Haciendo remedios, nos lleva a un nuevo estilo que es una mezcla de melodías delicadas con piano jazz, ritmos de vals, lo cual da a la música un carácter totalmente ecléctico. Buscando el heredero nos regresa a la acción trágica con el recuerdo del tema principal y del dramático, con una fuerza parecida al estilo de John Williams.
El trovador es el padre es una canción que posee un potente tema principal, que da paso a un melódico tema secundario con participación de las voces. El tema de amor de Violante y el trovador, cantado en catalán es una memorable canción para vocalistas masculino y femenino.
Las curaciones de Isolda nos devuelve al anterior talante de haciendo remedios. El estilo cambia bruscamente con El Inquisidor, contra la blasfemia y brujería. Amplios corales y una destacada participación de la percusión nos conducen a una versión del tema secundario en un modo épico y tenebroso. Un solo de violín nos lleva a la dramática coda con una épica intervención de los coros y de la orquesta.
El lamento de Isolda es otra muestra de la calidad de la banda sonora, con la intervención de un solo para voz que nos conduce a un crescendo instrumental. La banda sonora termina con la repetición del tema principal. Es agradable observar que en una época que parece haber desaparecido la música melódica se encuentra un nuevo renacer de los grandes temas y sus épicos crescendos.
"Cançó de bressol per fer adormir la guerra" es una obra para orquesta, cobla y narrador compuesta en 2009. Se estrenó en l'Auditori de Girona el 20 de mayo de 2009, interpretada por la Orquestra de l'Academia del Gran Teatre del Liceu y la Cobla Ciutat de Girona bajo la dirección de Salvador Brotons.
Una breve obra dramática que emplea un tema épico y un segundo tema de carácter lírico para expresar los horrores de la guerra según la narración que acompaña la obra. Escrita en un estilo similar a la anterior banda sonora.
La "Misa Funky en Fu menor" fue estrenada en l'Auditori de Barcelona interpretada por el Joan Díaz Electrc Trío, Vic Moliner, Ramón Ángel Rey, la Cobla Sant Jordi-Ciutat de Barcelona y las voces solistas de Marian Barahona y Francesc Guillén el 10 de octubre de 2010.
Es una misa vitalista que concibe la celebración como una fiesta, una acción de dar las gracias a Dios por los placeres maravillosos que nos ha concedido, entre ellos la música, en un contexto crítico hacia la Iglesia como estamento, la cual se ha apoderado de la propia figura de Dios. Marc Timón define su obra de la siguiente forma:
Se trata de una fusión sin precedentes a nivel transversal, tanto por la mezcla de formaciones y estilos musicales, tradicional catalana y moderna, como en lo que se refiere a la temática tratada. En esta misa, entre otras cosas, podréis escuchar un Kyrie y un Gloria en el estilo bailable de los años 70 en versión disco-funky, un Credo que es un hip-hop rapeado, un Aleluya con sabor de latin-funky o un Agnus Dei con reminiscencias de Hancock y de Stevie Wonder.
Una vez más, la cobla, tan estigmatizada y etiquetada de modo desconocido en nuestra sociedad actual, muestra su poder polivalente y camaleónico incorporando tres trombones y dos saxos y hasta cantando con la técnica de armónicos cercana al canto mongol llamado kargira, aparte de un didgeridoo y unos bolts, instrumentos de percusión tibetanos, a cargo de Miquel Àngel López.
En esta ocasión la cobla se convierte en una big band a todos los efectos, que acompaña a un espectacular trío, liderado por Joan Díaz, que cuenta con Vic Moliner al bajo y Ramón Ángel Rey a la batería. Espectacular, entre otras peculiaridades, porqué Joan Díaz cuenta con tres teclados distintos y su inseparable melódica, un teclado normal de piano pero que se toca soplando, además del piano clásico, los cuales aportan una gran diversidad de timbres y colores a los diferentes estilos de música moderna que van apareciendo. 
Finalmente, las voces inconfundibles de Marian Barahona y Francesc Guillén, Paquito Sex Machine, son las encargadas de cantar un texto que mezcla latín, castellano, catalán e inglés. La letra de las canciones proviene de una mezcla entre el texto original de la Misa y texto de Marc Timón, que pone de relieve las diferencias entre Dios, Iglesia y la propia vida humana, desde un punto de vista hedonista. En definitiva, un tema delicado como es el de la religión en la actualidad tratado con música y fusión sin complejos desde la óptica del funky más puro y discotequero.
"Paraules de coure" fue compuesta en 2011 para trompa y orquesta. Se estrenó en la Universitat Rovira i Virgili de Tarragona el 5 de octubre de 2011, interpretada por Raül Garrido a la trompa acompañado por las orquestas Camera Musicae y la de la URV, dirigidas por Tomás Grau.
Se trata de una breve pieza concertante para trompa, compuesta en un solo movimiento dividido en tres secciones, empezando con un enérgico motivo seguido por un tema melódico, con una parte central más tranquila, escrita en el ecléctico estilo de que hace gala el compositor.
"Wild Connection" es una banda sonora escrita para el documental del mismo nombre en 2011. Una serie que descubre las asombrosas semejanzas y refinadas diferencias entre dos de los puntos biológicamente más ricos de la Tierra localizados entre continentes. Música de carácter funcional.
"El pequeño mago" es una banda sonora que fue compuesta para el film de animación de Roque Cameselle en 2013, premiada con el Premio Internacional Jerry Goldsmith. en el International Film Music Festival de Cordoba.
La partitura presenta un notable tema principal con ritmo de vals, emocionantes scherzos y abundantes agradables temas melódicos. Música orquestal con puntuales intervenciones corales que le dan una audiencia internacional superior a la del film, que solo se ha presentado en España. Se estrenó durante el Festival Cinematográfico Internacional de San Sebastián en el mes de septiembre de 2013.
01 El Pequeño Mago (Tema Principal)
02 La Maldad del Obispo Juan
03 Trucos Traviesos
04 El Ataque de los Vikingos
05 Destreza, la Niña del Norte
06 El Hechizo de la Nieve
07 Las Aventuras con el Brujo Verdial
08 Juego de Niños
09 El Secreto Mejor Guardado
10 Vanesa, la Oca del Pañuelo Verde
11 La Huida
12 El Veneno de la Magia de Sara
13 Auto de Fe
14 La Trampa
15 La Batalla Final
16 La Madre de Dubidoso
17 La Fuerza de los Jilgueros
18 O Mago Dubidoso
El film de dibujos animados se ambienta en la Edad Media española, en una parte del Camino de Santiago. Un barco pirata normando, unas costas dominadas entonces por los vikingos, amarra en el muelle de Tey, un pequeño pueblo de Galicia, con la intención de saquear la población. Bieito Dubidoso, con sus escasos 9 años de edad pero armado de asombrosos poderes mágicos, consigue salvar el barco de su padre y que los vikingos sean expulsados. Las noticias del milagro se extienden como un fuego devastador por toda la región y en ella el niño es ampliamente conocido como El pequeño brujo.
Junto con su inseparable amiga Destreza, se embarcará en aventuras sin fin enfrentándose al Obispo Juan, señor y amo de la ciudad, que no perdona a Bieito por mostrarlo como un cobarde frente a sus vasallos. Por ello lo acusará de brujería y de practicar la magia negra. Los niños deberán buscar la manera de demostrar su inocencia y luchar contra las supersticiones medievales. ¿Podrá mantenerse a salvo en sus aventuras El pequeño brujo?
La banda sonora tuvo la colaboración del compositor Miguel Cordeiro, que puso música a varias de las pistas de que consta la obra. Como recuerda Marc Timón, el director, Roque Cameselle, había oído hablar de nuestro trabajo y le enviamos unas cuantas demos orientadas hacia la música épica medieval, porque era el estilo de música que estaba buscando.
En un principio nos envió el film completo con pistas de prueba para que pudiéramos ver qué tipo de ideas deseaba para su film. Pero aparte de algunas indicaciones específicas, tuvimos una gran libertad para desarrollar nuestro material como quisiéramos. Mientras componíamos la banda sonora estuvimos enviando constantemente nuevas pistas al director intentando conocer lo que pensaba sobre nuestras creaciones.
La música empieza con un potente tema principal que contiene dos motivos, uno para el concepto de magia y el otro que simboliza al pequeño héroe Dubidoso. Estos dos motivos principales se emplean de diferente forma a lo largo de toda la banda sonora, como variaciones y desarrollo. Una de las pistas favoritas del compositor es Auto de Fe, como el mismo describe a continuación.
Tener en esta escena la disponibilidad de una gran orquesta y coro nos dio la posibilidad de componer un réquiem con su carácter ritual. Mediante un progresivo crescendo este tema incrementa la amenaza de la situación, terminando con un gran brillante clímax cuando Dubidoso el Mago aparece con su magia. Recuerda el fragmento como uno de los momentos más mágicos del proceso.
Las Aventuras con el Brujo Verdial que ilustran la escena en la que aparecen Dubidoso y Destreza jugando en el bosque, encontrando al viejo brujo Verdial, es un ejemplo del seguimiento de la acción escénica a través de la música, un ejemplo de sincronización, el llamado efecto Mickey-Mousing.
"El árbol sin sombra" es la banda sonora de un film de terror psicológico dirigido por Xavier Miralles, con música de Marc Timón. La banda sonora ganó el Jerry Goldsmith Award for Best Music del año 2014 en el Film Music Festival de Córdoba.
El 5 de octubre de 2013 se presentó este largometraje rodado, en gran parte, gracias a la financiación conseguida a través de crowdfunding. El lugar escogido fue el pueblo del director, Monistrol de Montserrat.
El árbol sin sombra es un drama de horror ambientado en los años 90 que habla de la amistad, la confianza, la madurez, la inocencia, la necesidad de tener vínculos sociales, la juventud, la ruptura de aquella época tan feliz donde las aspiraciones de futuro todavía no se han visto frustradas, una historia con la que se pretende que el espectador se sienta identificado y pueda reflexionar una vez visionada tanto por la historia como por la forma de la narración.
Ingrid está a punto de cambiar de ciudad para ir a la universidad y Tina, su mejor amiga, teme que este cambio pueda separarlas. Junto con sus amigos acampan en un bosque para compartir los últimos momentos, antes de que sus vidas cambien con la llegada de los nuevos estudios. No les hace falta nada más que su propia compañía para estar bien, pero en medio de la tranquilidad del bosque se encontrarán con otro grupo de personas dispuestas a demostrarles que ese vínculo no es tan fuerte como ellas creen.
A pesar de estar escrita para un film de terror, la música está más enfocada en el deterioro de la relación entre Ingrid y Tina, que en el terror que las pone en peligro. Como el compositor explica: La banda sonora termina con una canción, cold, para los créditos finales.
01 Tema de ”El árbol sin sombra”
02 La calma del lago
03 Caza y huída
04 ¿Fue el viento?
05 No somos nada
06 Nuestra naturaleza
07 No debimos estar aquí
08 Héctor y Alex
09 La lección de Rob: Parte 1
10 La lección de Rob: Parte 2
11 El sueño de Tina
12 A través de las llamas
13 En solo un momento
14 Las dudas de Tina
15 La última prueba
16 El lamento de Héctor
17 En la otra orilla
18 Juntas de nuevo
19 El árbol sin sombra
20 Frío
La música de la banda sonora se basa en su tema principal, que contiene unas cuantas notas de misterio, soledad, tristeza y miedo. La mayoría de las otras ideas, colores y texturas de la obra derivan de este tema central. El lago en calma escrito en modo mayor contiene el único ambiente positivo que marca el contraste entre la amistad y la soledad. Por otra parte ¿fue el viento? conduce el camino obscuro y misterioso hacia el horror final.
No somos nadie, es el último tema importante que mantiene su conexión latente con el tema principal, esta vez con la cuerda en un tempo muy lento. Es uno de los momentos favoritos del compositor como el mismo describe. Aquí las cuerdas nos muestran lo terrible que es el sentimiento de soledad. La intensidad de la música se incrementa con una paz extremadamente lánguida, conservando unos latidos cada dos compases, entonces nos conducen a un crescendo orquestal que nos revela la parte más triste del tema principal.
En solo un momento. Componer la música de la primera muerte que aparece en la historia fue el reto más difícil de la partitura. Antes de este momento de horror, todo parecía hermoso, alegre y juguetón. De repente tuve que romper esta atmósfera cordial entre los protagonistas y sumergirme en la oscuridad. Realizamos muchas pruebas diferentes para este fragmento y finalmente decidimos, que el mejor modo de describir esta escena era mediante un solo de piano con sutiles golpes de bajo. El otro reto que presentaba esta secuencia fueron los constantes cambios inesperados del guion, que implicaban muchos cambios de tempo en solo tres minutos. Fuimos del misterio a la acción de muerte y horror y volver a la acción. Fue intenso.
La grabación de la banda sonora fue realizada en Bulgaria por la Sofia Film Orchestra. el mismo conjunto que había anteriormente grabado El pequeño mago. El compositor habla de esta segunda colaboración con la citada orquesta. Me gusta la cuerda de esta orquesta que se hizo muy pronto popular por el modo que interpreta esta música. Se dan cuenta de cómo deben poner las emociones después del horror de un modo muy sutil. Los solistas deben interpretar el tema principal primero y entender las sutiles diferencias mediante un cambio de timbre. Además de dirigir la orquesta, interpreté personalmente las partes de piano solo. Me gusta hacer esto siempre que sea posible, de este modo me convierto en una parte activa de la historia. Componer es un placer, pero también necesito interpretar como otro medio de comunicación.
"Josafat" es un musical estrenado el 22 de febrero de 2014 en el Teatre Municipal Principal de Girona, basado en la novela de Prudenci Bertrana. “Josafat” es la historia de pasión oscura y desenfrenada entre el campanero de la catedral de Girona y la prostituta Fineta. Interpretado por una orquesta de cámara, dirigida por el propio compositor y 10 actores/cantantes. La estética de la obra es la de los musicales orquestales clásicos, como “Los miserables”, con distintos leitmotiv que caracterizarán a cada personaje y que se van entrelazando para tejer una partitura oscura, convulsa y trepidante.
"Coliseum" (Els jocs de Roma) compuesta en 2014 para un espectáculo de gran formato representado en el Palau Sant Jordi de Barcelona el 4 de octubre de dicho año, en el que tomaron parte 20 caballos y más de 70 actores/especialistas mostrando habilidades con fuego, danza, luchas de gladiadores y carreras de cuadrigas. La banda sonora fue interpretada por la Giorquestra, el coro ARSinNOVA, Xavier Lozano y Priscilla Hernández bajo la dirección del compositor.
Su argumento sigue la historia de Marcus Octavius Atellus, el legatus de Roma que ha sido sentenciado a luchar como gladiador en el Coliseum para conseguir su libertad. Además de sobrevivir luchando con contrincantes mejor equipados, Domicianus el hermano de Titus realiza maquinaciones para convertirse en Emperador. En el Coliseum asistimos al espectáculo de la Batalla de Hispania, una carrera de cuadrigas, un duelo al estilo de David y Goliat y a la carrera para conseguir la Espada de la Libertad llamada Rudis. También se introduce una escena de amor entre Marcus y su verdadero amor Cleopatra.
La música consta de una mezcla de diferentes tradiciones como explica su propio compositor. Decidí realizar dos tipos de innovaciones basadas en el concepto de respeto a los maestros del pasado y del presente. No puedes crear música de romanos sin Miklós Rózsa, de Ben-Hur o Alex North de Cleopatra. Por este motivo estudié su uso del metal, el modo como orquestaban, como recreaban los sonidos de días arcaicos.
Luego miré nuestro presente con el foco en Hans Zimmer, de Gladiator. De él aprendí texturas orquestales, poderosos ostinati y percusiones de guerra potentes. Mi segundo punto principal fue intentar mezclar los dos modos fundamentalmente distintos de entender la música para el cine mediante una banda sonora. Mientras tiendo a mirar a John Williams y Hans Zimmer como estilos opuestos, siempre pienso que sería posible hacer una partitura en la cual coexistiesen ambos estilos. Por un lado tengo melodías y leitmotiv y por otra parte una potente percusión, una atmósfera texturizada y bucles.
Quizás la acción culminante de la partitura es la Batalla de Hispania, que mezcla varias melodías con largos ostinati, clusters sinfónicos con temas mahlerianos de guerra mediante el uso de seis trompas. A parte de estos inspirados momentos históricos, el fragmento también añade efectos más contemporáneos mediante su uso del coro y bucles electrónicos basados en antiguos timbales y flautas étnicas mezcladas en los pasajes orquestales de las maderas.
Preserva tanto como puedas la coherencia de tu música, usa todas tus posibilidades. Para la secuencia de este combate, necesitaba recrear grandes momentos de batalla con el caos de enérgicas luchas donde se movían rápidas espadas, pero también necesitaba pausas anticlímax para dar respiro a los gladiadores... Esta es la mejor manera para reflejar las subidas y bajadas musicales, mediante el uso de elementos musicales opuestos forzándolos a existir en el mismo fragmento.
Pero no todo es lucha en la partitura, también existen momentos románticos reflejados en las variaciones temática de Cleopatra. Siempre me gusta el asignar a un instrumento concreto los caracteres principales o situaciones a modo de leitmotiv que los identifique. En mi tributo a los grandes compositores de música para el cine, elegí la flauta y el arpa como símbolo de la femineidad de Cleopatra. En medio del combate, motivos con gran orquestación y con percusión, el tema de Cleopatra aparece como un sensible interludio musical que conmueve por su melancólico amor prohibido por Marcus. Este especial amor se expresa mediante un largo solo de flauta que nos conduce a un gran crescendo orquestal y a la exposición del mismo tema en un tutti, mientras la melodía principal en la cuerda proporciona un apasionado momento orquestal.
Una interesante partitura que sería interesante que alguna vez se pudiera escuchar en directo, para que se pudiese ofrecer en todo su esplendor. Durante el espectáculo se ofreció una versión pregrabada.
"Músiques que enamoren" se estrenó en la Sala Sinfónica de l'Auditori de Barcelona. interpretado por la orquesta Conjunt XXI y un cuarteto de actores cantantes.
"Molsa, Suro, Paper de plata" es una cantata de Navidad para tres coros y orquesta de cámara compuesta en 2016, estrenada por la orquesta y coro Camerata de Sant Cugat, la Coral Polifónica de Tremp y el coro juvenil e infantil del Grupo Coral de Caspe, dirigida por Xavier Baulies en el Teatre Auditori de Sant Cugat del Vallés, con textos de Francesc Parcerisas que interpela al público sobre la crisis de los refugiados, reflejando todos los contrastes de la Navidad.
Con mi música he pretendido que la cantata reflejara todos los contrastes de la Navidad, bebiendo de influencias aparentemente tan alejadas como el imaginario cinematográfico de Tim Burton y Danny Elfman y al mismo tiempo del sabor mediterráneo y catalán de géneros como la sardana.
La música combina momentos épicos y grandilocuentes con pasajes íntimos llenos de frialdad y nostalgia, colores que integra a la vez la Navidad, según por quien son vividos.
Marc Timón se instaló en Los Ángeles en 2015 para probar suerte en Hollywood, creando bandas sonoras.
"In Absentia" compuesta en 2017 para una serie americana, es su primer trabajo como compositor en solitario en los Estados Unidos. Una serie obscura, misteriosa y visualmente cautivadora. Anteriormente había colaborado en "Agente Carter" de la Warner Bross en 2015.
"Hathor" es una banda sonora compuesta en 2018 para el cortometraje dirigido por el americano Ziyi Zheng sobre una filántropa millonaria que mantiene una conversación con una joven periodista, en el transcurso de la cual flashes de su pasado la llevan a un acontecimiento trágico.
Suntuosa creación sinfónica dramática y romántica, con muy bello e intenso tema principal de tono moderadamente afligido, en la que la música se desarrolla en el terreno del dolor y también de la reconciliación.
"The Bestowal" banda sonora compuesta para un film de Andrew de Burgh en 2019 es una de sus últimas obras. Un film de ciencia ficción donde un hombre de negocios a punto de suicidarse es visitado por un ser de otro mundo, que aparece en forma de una bellísima mujer.
Marc Timón también ha compuesto mucha música para cobla, entre la que destacan más de 50 sardanas, muchas de ellas premiadas. Entre ellas se encuentran obras como "That's the way!" un intento de renovación dando a la forma un carácter libre, acercándola al mundo del jazz o "Des del primer dia" donde se encuentran elementos de la música popular, una mezcla de tradición y modernismo.
Como intérprete y director ha actuado en los escenarios más emblemáticos de nuestro país, como el Palau de la Música Catalana, el Gran Teatro del Liceo y el Auditori de Barcelona. Es tible solista de la Cobla Sant Jordi-Ciutat de Barcelona, donde ha compartido escenario con artistas como Niño Josele, Roger Mas o Pascal Comelade, y también es miembro fundador del The New Catalan Ensemble.
También podemos destacar su faceta como escritor. Todos los libretos de sus musicales y la letra de sus canciones han salido de su propia mano. Ha sido premiado por sus cuentos para adultos y por su Suite de poesía eròtica.
Siempre ha combinado la composición musical con la tarea como escritor, con obras como La sardanista psicòpata, El soroll silent, DesCatalunya, España va bien?!, E-Juez y como periodista, con colaboraciones en Catalunya Ràdio, en la Revista Musical Catalana y en Sonograma Magazine.