Ferran Cruixent (1976-) nació en Barcelona el 23 de julio de 1976. Estudió en el Conservatorio Superior de Música de Barcelona teoría de la música, violín, canto y otras disciplinas, obteniendo en 1999 los títulos de Profesor Superior de Piano con Carmen Vilà y el de Profesor Superior de solfeo y teoría musical.
Entre 2001 y 2003 recibió una beca de la Fundación La Caixa. Posteriormente en el año 2004 amplía sus estudios de composición en la Hochschule für Musik und Theater de Múnich en Alemania, obteniendo en 2006 los Títulos Superiores en Composición Clásica con el profesor Dieter Acker, en Composición para Cine y Televisión con el profesor Enjott Schneider y dos años más tarde el Título de Máster en Composición con el profesor Dieter Acker.
"Agonia" (Laberinto) para clarinete, saxofón y orquesta compuesta en 2002, se estrenó en Múnich el 27 de febrero de 2002, interpretada por la Orchester der Hochschule für Musik und Theater München dirigida por Markus Landerer. Tiene una duración de unos doce minutos.
Orquestada para dos flautas, oboe, clarinete, saxofón, fagot, dos trompas, dos trompetas, trombón, tuba, timbales, dos percusionistas, arpa y cuerdas. En el 27 de abril de 2012 se estrenó en Leipzig una nueva versión para dos clarinetes, interpretada por la MDR-Sinfonieorchester Leipzig dirigida por Torodd Wigum.
Una de sus primeras composiciones en la que muestra su estilo contemporáneo, que a pesar de su cromatismo no abandona la música clásica tradicional del pasado. Música de carácter dramático pero dotada de cierta poesía.
"Rituals" un concierto para timbales y ensemble compuesto en 2002, se estrenó en Múnich el 8 de julio de 2002 interpretado por el Ensemble für Neue Musik con Claudio Estay como solista a la percusión dirigidos por Naoshi Takahashi.
Orquestado para timbales solista, cuatro trompas, tres trompetas, tres trombones, tuba, dos pianos y dos percusionistas, tiene una duración de unos 15 minutos.
"Rituals II" una nueva versión del anterior concierto para timbales y orquesta de cuerda compuesto en 2004, se estrenó en Múnich el 1 de marzo de 2004, interpretado por Claudio Estay a la percusión, a quién está dedicado, con la Orchester der HFM München dirigida por Oriol Cruixent, el hermano gemelo del compositor.
El primer movimiento, La caça, La caza, es la descripción de la caza de un hombre blanco por un pueblo primitivo africano. En forma de un poema sinfónico los timbales representan al pueblo africano.
El segundo movimiento, Camí de fang, camino de barro, describe al hombre blanco capturado, atado y en cautividad. La música adquiere un carácter sombrío reflejando la triste situación del capturado.
El tercer movimiento, Dança de foc, describe la alegría de los nativos mediante fanfarrias y agitados ritmos recogidas por el solista. Un momento más pausado antecede a la cadenza del solista que mediante un vertiginoso acelerando da paso a la concluyente coda.
"Mascarada" un concierto para violoncelo y orquesta compuesto en 2005, con una duración de unos 18 minutos, se estrenó el 2 de mayo de 2005 en Múnich interpretado por Elías Grandy al violoncelo acompañado por la Orchester der Hochschule für Musik München dirigida por Ulrich Nicolai.
Está orquestado para violoncelo solista, flauta, oboe, dos clarinetes, con clarinete bajo, fagot, dos trompas, dos trompetas, dos trombones, tuba, dos percusionistas con timbales, triángulo, carrillón, bombo, tam-tam y cuerda.
Consta de un solo movimiento dividido en varias partes. Comienza mediante una amplia cadenza del violoncelo, que da paso a una entrada de la orquesta de forma algo opresiva. En la parte central se encuentra una sección rítmica de tintes dramáticos que culmina con fuertes acordes oponiéndose al solista. Una pausa nos conduce a la última sección, dando entrada al solista en una nueva cadenza de carácter dramático que nos conduce a la coda.
"Visions" es un concierto para marimba y orquesta de cuerda compuesto en 2005. Se estrenó en el Teatro Palladium de Roma el 12 de febrero de 2005 interpretado por la Orchestra d'Archi Italiana con Peter Sadlo a la marimba, percusión y dirección. La primera interpretación en Barcelona por la Orquestra de Cambra del Reial Cercle Artistic tuvo lugar el 21 de abril de 2016.
Está inspirado en el Mito de la Cueva de Platón como escribe en el libro siete de su obra Republica del 360 a. C. El Mito de la Cueva, es una alegoría de intenciones pedagógico-filosóficas. Su importancia se debe tanto a la utilidad de la narración para explicar los aspectos más importantes del pensamiento platónico como a la riqueza de sus sugerencias filosóficas.
Se trata de una metáfora sobre la situación en que se encuentra el ser humano respecto del conocimiento. Platón explica su teoría de cómo podemos captar la existencia de los dos mundos, el mundo sensible, conocido a través de los sentidos y el mundo inteligible sólo alcanzable mediante el uso de la razón.
Alegoría de la caverna, por Markus Maurer. Platón describió en su alegoría de la caverna un espacio cavernoso, en el cual se encuentran un grupo de hombres, prisioneros desde su nacimiento por cadenas que les sujetan el cuello y las piernas de forma que únicamente pueden mirar hacia la pared del fondo de la caverna sin poder nunca girar la cabeza. Justo detrás de ellos, se encuentra un muro con un pasillo y, seguidamente y por orden de cercanía respecto de los hombres, una hoguera y la entrada de la cueva que da al exterior. Por el pasillo del muro circulan hombres portando todo tipo de objetos cuyas sombras, gracias a la iluminación de la hoguera, se proyectan en la pared que los prisioneros pueden ver.
Estos hombres encadenados consideran como verdad las sombras de los objetos. Debido a las circunstancias de su prisión se hallan condenados a tomar únicamente por ciertas todas y cada una de las sombras proyectadas ya que no pueden conocer nada de lo que acontece a sus espaldas.
Continúa la narración contando lo que ocurriría si uno de estos hombres fuese liberado y obligado a volverse hacia la luz de la hoguera, contemplando, de este modo, una nueva realidad. Una realidad más profunda y completa ya que ésta es causa y fundamento de la primera que está compuesta sólo de apariencias sensibles. Una vez que ha asumido el hombre esta nueva situación, es obligado nuevamente a encaminarse hacia fuera de la caverna a través de una áspera y escarpada subida, apreciando una nueva realidad exterior, hombres, árboles, lagos, astros, etc. identificados con el mundo inteligible, fundamento de las anteriores realidades, para que a continuación vuelva a ser obligado a ver directamente el Sol y lo que le es propio, metáfora que encarna la idea de bien.
La alegoría acaba al hacer entrar, de nuevo, al prisionero al interior de la caverna para liberar a sus antiguos compañeros de cadenas, lo que haría que éstos se rieran de él. El motivo de la burla sería afirmar que sus ojos se han estropeado al verse ahora cegado por el paso de la claridad del sol a la oscuridad de la cueva. Cuando este prisionero intenta desatar y hacer subir a sus antiguos compañeros hacia la luz, Platón nos dice que éstos son capaces de matarlo y que efectivamente lo harán cuando tengan la oportunidad, con lo que se entrevé una alusión al esfuerzo de Sócrates por ayudar a los hombres a llegar a la verdad y a su fracaso al ser condenado a muerte.
El concierto, que se interpreta sin interrupción, se puede dividir en cuatro partes. La primera parte lleva como título The light, lightning, the worl of ideas. Un golpe de platillos empieza la obra en forma de introducción Sigue una parte bastante atmosférica antes de llegar a la Parte 1b: Cadenza ad libitum, una sección donde el percusionista emplea diversos instrumentos a su aire. Parte 1c: molto tranquilo. sección donde el solista introduce una sencilla melodía, hasta que empieza el empleo de la marimba en la Parte 1d: magic, primero de un modo muy suave para iniciar luego un crescendo que nos conduce al final de la sección. Con la Parte 1e: perdendosi. se regresa a la sección inicial.
La Parte segunda: darkness, human destiny... empieza con un furioso crescendo del solista acompañado por el conjunto orquestal. Segunda b: perpetuo. sigue de forma repetitiva para conducirnos sin pausa a la siguiente sección.
Parte tercera: the world of mechanical shadows. Corresponde a la sección más agitada del concierto, que nos conduce a su clímax anotado como Tercera Parte b: brutale, mediante golpes de tambor. Con la Tercera Parte c: meccanico, poco più. continúa la intensa sección rítmica que culmina en la siguiente Parte tercera d: brutale ancora più. Una pausa nos conduce a la cadenza donde el solista muestra su cualidad como virtuoso.
Parte cuarta, Reexposición. Ritorno, Catarsis: back to the light. Purification. En la reexposición se repiten los temas iniciales, como si expresase el retorno a la cueva de la que había salido en los momentos más dinámicos.
"Focs d'artifici" es un concierto para percusión y orquesta compuesto en 2008, dedicado al percusionista Peter Sadlo (1962-2016)[1], que se estrenó en Reutlingen el 14 de enero de 2008, interpretado por Peter Sadlo a la percusión con la Würtembergische Philharmonie Reutlingen dirigida por Norichika Limori. Con una duración de unos 23 minutos el concierto se ha convertido en una de sus obras más interpretadas.
Se ha programado en Pekín, en Gijón, en Bogotá, en Wels ciudad de Austria y en la ciudad mexicana de Toluca de Lerdo.
Está dividido en tres movimientos. El primero, Fanfarra de fusta empieza con la entrada del solista tocando el tambor. La sección continúa con una agitada intervención del solista rítmicamente acompañado por la orquesta, que nos conduce a una amplia cadenza terminando con fanfarrias orquestales y un toque de corneta por parte del percusionista.
El segundo movimiento, Font magica empieza con suaves ritmos del timbal de pedal, seguido por una música de mágicas resonancias y sonoridades aéreas. Una música con un cierto carácter hipnótico con la utilización de variados instrumentos de percusión acompañados por notas sostenidas de la cuerda.
El tercer movimiento, Correfocs, representa la popular fiesta pirotécnica de un modo bastante realista, con ritmos frenéticamente repetidos por el solista y fanfarrias del metal. Cuando la música parece serenarse el uso del pito tocado por el percusionista inicia una agitada sección con un carácter casi diabólico, mediante potentes ritmos. que nos conduce a una formidable cadenza de gran lucimiento para el solista. Termina más pausadamente, pero llevándonos a una violenta coda que cierra la obra con el sonido de las campanas.
"Cyborg" para orquesta sinfónica compuesta en 2010, se estrenó en la Weimarhalle de la ciudad alemana de Weimar el 2 de mayo de 2010, interpretada por la Staatskapelle Weimar dirigida por Christoph Poppen. Statkin programó su estreno americano en 2011, pero la crisis económica que sacudió Detroit obligó a retrasarlo. Pensé que ya no se haría, pero en cuando la situación mejoró, Slatkin estrenó Cyborg, recuerda Cruixent. El 7 de noviembre de 2013 se presentó en los Estados Unidos interpretada por la Detroit Symphony Orchestra dirigida por Leonard Slatkin.
Tiene una duración de unos 24 minutos, estando instrumentada para una gran orquesta compuesta por tres flautas, dos oboes, tres clarinetes, tres fagots, seis trompas, tres trompetas, cuatro trombones, tuba, timbales, tres percusionistas y una abundante cuerda formada por una cincuentena de músicos.
Es la primera parte de una Tetralogía donde introduce el Cibercant, el Cyber Singing o Cybergesang. Una técnica musical en la que se mezclan tecnología e instrumentos reales.
Una obra del Siglo XXI donde quiere mostrar como las nuevas tecnologías interaccionan en la música. Con ello se introducen nuevos sonidos en la música sinfónica. Como observa Leonard Slatkin el director que estrenó la obra, nunca había escuchado algo parecido.
Además de la interacción de los propios músicos, soplando, hablando o cantando y empleando sus instrumentos en modos inusuales se implica una actuación cibernética, mediante la introducción de la tecnología digital en la música.
Cada miembro de la orquesta posee su propio teléfono móvil en el cual ha grabado una pista en formato MP3 creada por el compositor y cerca del final de la obra ponen en marcha sus móviles dejando sonar sus pistas mientras ellos se retiran. Con ello se combina la música sinfónica que tiene tres siglos de vida con la última tecnología de nuestro siglo. Es lo que se conoce como Cyber Singing. El compositor escuchó la obra en su presentación en Detroit desde su casa de Barcelona usando la tecnología actual de Internet.
Una música que posee momentos fascinantes, como salidos de un film de ciencia ficción. Momentos líricos junto a intensas pulsaciones. En su parte final varios miembros de la orquesta entonando una especie de mantra crean una atmósfera extraña y celestial a la vez. Los acordes orquestales se acoplan en contrapunto con los bips de los teléfonos.
"Virtual" para orquesta compuesta en 2011 se estrenó el 15 de mayo de 2011 en Saarbrücken, interpretada por la Deutsche Radio Philharmonie Saarbrücken Kaiserslautern bajo la dirección de Christoph Poppen.
Con una duración de unos doce minutos está orquestada para una gran orquesta formada por tres flautas, dos oboes, tres clarinetes con clarinete bajo, tres fagots con contrafagot, seis trompas, tres trompetas, cuatro trombones, tuba, timbales, tres percusionistas con gran número de instrumentos y una numerosa cuerda.
Es la segunda parte de la Tetralogía Cyborg, con el empleo de sonidos digitales, estando dedicada a su mujer. El compositor acababa de ser padre por primera vez cuando compuso esta obra y se inspiró en el embarazo de su esposa y el nacimiento de su hijo.
En la pieza podemos escuchar los primeros latidos del corazón del niño, los dolores del parto en los fortissimos de la orquesta. Un momento mágico con intervención de sonidos digitales seguido por un tema melódico de paz antecede al momento del parto. Un fortissimo orquestal nos presenta el momento, hasta que los bips nos anuncian el nacimiento, como latidos del corazón. El sonido de una cajita de música nos proporciona unos instantes de infantil dulzura, seguido por la melodía del violoncelo que da paso a la atmosférica coda. Una conmovedora obra de gran carga humanística.
"Grand Chef" un concierto para percusión y gran orquesta compuesto en el año 2012, se estrenó el 14 de enero de 2013 en el Stadthalle de la ciudad alemana de Reutlingen, interpretada por Peter Sadlo a la percusión con la Württembergische Philharmonie Reutlingen bajo la dirección de Ola Rudner.
Con una duración de unos 16 minutos está orquestado para madera por triplicado con contrafagot, seis trompas, tres trompetas, cuatro trombones con dos trombones bajos, tuba y una abundante cuerda. El percusionista utiliza una gran variedad de artilugios, como timbales, campanillas de vidrio, glockenspiel, címbalos, gongs, platos, vasos de vino, timbal de acero, sartenes y otros utensilios de cocina.
El primer movimiento se titula Le Sommelier, empleando copas de cristal y una especial para vino, la fragancia del sommelier, que el percusionista olfatea al tocarla. Un timbal metálico parecido a los bidones empleados en el folclore popular americano por su sonido especial resonante, usando una melodía pentatónica, glockenspiel, juegos de campanas de vidrio y metálicas además de un timbal con pedales que permite realizar glissandos, componen todo el arsenal de instrumentos que el maestro en percusión usa durante el movimiento. Termina ofreciendo la copa de vino al director.
El segundo movimiento, Le Grand, nos presenta al chef de cocina mediante la utilización de sus elementos habituales. Sartenes colgadas de diversos tamaños, ollas, cazuelas, paellera de arroz, potes, una bandeja para asados, un cubo de basura, un tambor bajo, platillos suspendidos, un hit-hat realizado con tapas de olla y un cencerro, son los elementos percusivos que el solista utiliza mediante la interpretación de ritmos frenéticos. El concierto termina con una amplia cadenza en la que el solista utiliza como virtuoso todos sus registros.
"Postludio" compuesto en 2012 es una breve pieza orquestal que se estrenó el 21 de octubre de 2012 en Yakima en el Estado de Washington, interpretada por la Yakima Symphony Chamber Orchestra dirigida por Luigi Pagliarini.
Está inspirada en la actual situación socioeconómica de los países desarrollados. Ritmos frenéticos, obsesivos, ecos románticos, luces, reflejos, son diferentes voces individuales que expresan la decadencia de un mundo de fantasía.
"Solaria" para orquesta compuesta en 2014 se estrenó el 3 de febrero de 2015 en el Teatro de la ciudad italiana de Bolzano, interpretada por la Haydn Orchester von Bozen und Trient bajo la dirección de Christoph Poppen.
Con una duración de unos diez minutos está orquestada para madera por duplicado, cuatro trompas, dos trompetas, tres trombones, percusión y cuerda.
"Big Data" para orquesta compuesta en 2016 se estrenó el 29 de septiembre de 2016 en la Konzerthalle de Detroit interpretada por la Detroit Symphony Orchestra dirigida por Leonard Slatkin. Es la tercera parte de la Tetralogía Cyborg.
Con una duración de unos 20 minutos está orquestada para madera por triplicado, seis trompas, tres trompetas, cuatro trombones, tuba, percusión y cuerda. Los músicos usan sus móviles como un elemento más de la orquesta. No es un capricho; forma parte de mi filosofía musical, explica Cruixent: La tecnología puede ampliar al infinito las posibilidades sonoras de la orquesta.
El término define los enormes conjuntos de datos utilizados para realizar complejas tareas de análisis predictivo. Un artista debe estar comprometido con el tiempo en el que vive. Amo las entrañas de la música, desde la física del sonido hasta la psicología del músico. Por eso lo importante es que, al usar el móvil en la interpretación, el músico entienda que no es un experimento sino que responde al deseo de buscar espacios de comunicación nuevos.
La orquesta imita, entre otros, sonidos de un arcaico dispositivo de módem-fax, como metáfora del origen del Big Data, mensajes cifrados en código Morse tales como nosotros-somos-data, we-are-data, o distintos sonidos de marcaje telefónico.
En los archivos de audio preparados por el propio compositor que el músico debe reproducir durante la interpretación, se escuchan sonidos procedentes del cometa 67P grabados en 2014 utilizando el magnetómetro de la nave espacial Rosetta. El resultado es un sonido repetitivo extraño que realiza curiosos cambios de tono y de tempo, como si se tratara de un mensaje de radio proveniente del Espacio.
Otro tema musical insinuado en esta pieza, se refiere a la vieja canción Daisy Bell, programada en 1961 en una computadora IBM 704, en la que se considera la manifestación más temprana conocida de síntesis de voz por ordenador. Esta antigua melodía, que Stanley Kubrick usó al final de 2001 Una odisea del espacio, cuando desconecta a Hal, funciona aquí como metáfora del comienzo de la inteligencia virtual.
Al final de la obra, en un momento muy especial, los músicos activan los teléfonos móviles y se desprenden paulatinamente de sus instrumentos musicales, una tecnología arcaica, para fundirse con el público en un vocalise final que es una llamada a la consciencia humana por encima de la tecnología.
"Deus ex machina" compuesta en 2017 por encargo de la Fundación SGAE, la AEOS[2] y la OBC, se estrenó el 9 de febrero de 2018 en l'Auditori de Barcelona interpretada por la OBC dirigida por Kazushi Ono. Corresponde a la cuarta parte de la Tetralogía Cyborg.
Según escribe su autor en el programa de mano del concierto de su estreno, es una obra inspirada en la fascinación por la dependencia humana de la tecnología. La expresión Deus ex machina fue acuñada por Aristóteles dentro de las convenciones de la tragedia griega, en que se utilizaba una máquina para llevar al escenario actores que hacían el papel de dioses, para resolver de este modo una trama sin solución. La tecnología ya se usaba, pues, como un elemento para resolver una tragedia.
A partir de este concepto aparecen muchas cuestiones de gran actualidad. ¿Cada ser humano que disponga de una conexión a Internet será salvado por la máquina? ¿Resolverá la tecnología nuestra particular tragedia? ¿Nos estamos convirtiendo a la vez en dios y máquina?
En esta obra los músicos utilizan técnicas especiales, como el Cyber Singing, el Cibercant usado por primera vez por Ferran Cruixent en la obra Cyborg. El Cyber Singing es una voz digital que proviene del mismo músico y que introduce una nueva posibilidad de interacción entre el compositor y el intérprete, de manera que se consiga una comunicación genuina en todos los ámbitos, más allá del musical.
El archivo de audio MP3 preparado por el compositor es interpretado por el músico desde su propio teléfono móvil, un dispositivo comúnmente utilizado para muchas otras finalidades. ¿Somos dioses dentro de las máquinas?¿Somos ya dioses más allá del cuerpo?
"Impression" un ballet compuesto en 2018, lleva como subtítulo 10 Impressions for Dance and Chamber Orchestra. Se estrenó el 7 de diciembre de 2018 en la ciudad alemana de Heidelberg interpretada por la orquesta de su teatro dirigida por Elias Grandy.
Con una duración de una hora, está orquestado para dos clarinetes con clarinete bajo, fagot con contrafagot, tres trombones con trombón bajo, tuba, arpa, timbales, dos percusionistas y cuerda. Cada músico lleva un Smartphone para la práctica del Cyber Singing escrito en la partitura. La obra se divide en las diez partes con las siguientes duraciones.
Impression 1 - Calling Millenials 6:50
Impression 2 - Oscillator 7:30
Impression 3 - Automatic Sonar 3:20
Impression 4 - Enigmático 5:00
Impression 5 - New Dimension 6:30
Impression 6 - Robótico - Big Data 7:30
Impression 7 - Onírico 6:30
Impression 8 - Stroboscope 6:20
Impression 9 - Twin Shadow 4:50
Impression 10 - Recalling Millenials 6:50
Opcional después de la Impression 1: Interludio A para solo violín 1:10
Optional entre las Impressions: Interludio B para orchestra 1:20
El repertorio de Ferran Cruixent incluye además obras para solista, música de cámara y para Multimedia. Su lenguaje musical busca reencontrarse con el público, con el ser humano, sus inquietudes, visiones y conflictos.
Ha recibido numerosos premios. Entre ellos, Mención de Honor en Piano (1996), Mención de Honor en Armonía (1998), Mención de Honor en Fuga (1998), Seleccionado en Roma por su obra "Pacem relinquo vobis" para el Festival Puericantores (1998), Primer Premio para el trío "Escenes" en el Concurso Internacional de Composición Reinl de Viena (2001), Galardonado con una Beca "LaCaixa" (2001-2003), Premio FFF de Baviera para el Cortometraje "Omnibus" (2002).
En 2006 crea la revista online Stereotips de análisis y crítica musical. En 2007 crea juntamente con el realizador Joan Carles Martorell el proyecto musical y visual Urban Surround.
Recientemente Ferran Cruixent ha sido seleccionado por la Fundació Joan Miró de Barcelona en el programa Músiques d'avui, músicas de hoy, de la temporada 2008 - 2009. Desde 2008 le representa la prestigiosa editorial Sikorski de Hamburg.
También trabaja en muchos films y videojuegos internacionales, como compositor, orquestador y pianista, como en el videojuego "Castlevania, Lords of Shadow" y en otros film internacionales. El compositor, dotado de oído absoluto y brillante orquestador dedica la mitad de su tiempo a estos trabajos. Con ello me gano bien la vida y puedo dedicar el resto del tiempo a mi familia y a la composición.
[1] Peter Sadlo desgraciadamente murió durante una operación renal.
[2] Asociación Española de Orquestas Sinfónicas