Ross Harris (1945-) nació en Amberley una pequeña ciudad situada en North Canterbury en la Isla del Sur de Nueva Zelanda. Estudió en Christchurch y luego en la Universidad de Canterbury, antes de trasladarse a la Universidad Victoria de Wellington para completar sus estudios musicales.
En 1971 es nombrado profesor de música de dicha Universidad en la que permanecería durante más de treinta años. Fue intérprete de trompa y tuba en la Orquesta Nacional Juvenil y de trompa en la Orquesta Sinfónica de Nueva Zelanda por breve tiempo. Recibió una beca del Instituto Sueco en 1978 pasando tres meses en Estocolmo. Desde 1982 es miembro fundador del conjunto de música electrónica Free Radicals.
Harris ha ejercido como profesor en el Departamento de Música de la Universidad Victoria de Wellington durante más de 30 años. En 1985 fue galardonado con una Medalla de Servicio de la Reina por su ópera "Waituhi", con libreto de Witi Ihimaera y en 1990 recibió la citación de la Asociación de Compositores de Nueva Zelanda (CANZ) por sus servicios a la música de Nueva Zelanda. En 2004 se retiró anticipadamente de la enseñanza y comenzó a trabajar como compositor independiente. Su estancia como compositor residente en la Orquesta Filarmónica de Auckland entre 2005 y 2006 le ha llevado a la composición de tres sinfonías.
Ha sido galardonado con el Sounz Contemporary Award, el premio anual más prestigioso para compositores que se ofrece en Nueva Zelanda, cuatro veces y ha sido finalista ocho veces en los trece años de historia del premio.
Tiene una producción prolífica de más de doscientas obras, que incluyen piezas para piano, varias óperas, música sinfónica, música de cámara, klezmer, jazz, música rock y música electrónica.
La "Sinfonietta para orquesta de cuerda” compuesta en 1996 está orquestada para cinco violines primeros, cuatro violines segundos, tres violas, tres violoncelos y contrabajo. Se estrenó el 5 de febrero de 1997, interpretada por la Orquesta de Cámara de Nueva Zelanda dirigida por Kenneth Young. Encargada e interpretada por la Orquesta de Cámara de Nueva Zelanda en 1996. El propio compositor agrega el siguiente comentario a su obra.
El trabajo comienza con repetidas notas re al unísono, que son una pista falsa. Fue en un programa con música de Mozart y pensé que sería muy divertido hacer que la audiencia creyera que iban a escuchar una pieza clásica.
Esto pronto se subvierte cuando el cromatismo se hace cargo y la música explota en 16 líneas solistas. La forma de Sinfonietta es inusual, ya que es más ruidosa en los extremos y tranquila en el medio. De la calma central se revela la melodía de doce tonos que fue la inspiración original de la pieza. Esta crece gradualmente, devolviendo el trabajo a su intensidad original.
La "Sinfonía Nº 1” fue escrita cuando Harris se encontraba como compositor en residencia con la Auckland Philharmonia Orchestra en 2005. Se estrenó el 25 de agosto de este año por dicha orquesta dirigida por Steven Smith.
En el siglo XX las sinfonías se consideraban pasadas de moda. Hoy, al otro lado de la revolución modernista, la forma ofrece nuevos desafíos. Esta sinfonía toma como punto de partida la fragmentación y el humor irónico de Mahler y Shostakovich. Utilizando un lenguaje básicamente atonal, que integra una amplia gama de referencias estilísticas, esta música se despliega con destellos de color orquestal.
Compuesta en tres movimientos, el primero está lleno de dramatismo y cambios bruscos de dinámica, empleando una música fuertemente atonal. De acuerdo con la tradición sinfónica, los primeros compases contienen los gérmenes de todos sus desarrollos posteriores.
El segundo movimiento, lento, es la pieza central de la obra. Su amplitud y relativa calma contrastan fuertemente con los enérgicos movimientos exteriores. Los solos de instrumentos de viento y metales desenvuelven una larga línea melódica.
El tercer movimiento corresponde a un scherzo salvaje, su humor grotesco lo convierte en una especie de caja de Pandora. La forma se aproxima al tradicional rondó de sonata por las ideas musicales que pasan a un ritmo casi delirante.
La "Sinfonía Nº 2” fue compuesta entre 2005 y 2006.encargada por la Orquesta Filarmónica de Auckland y escrita mientras Harris era compositor en residencia. Es una colaboración entre Ross Harris y el escritor Vincent O'Sullivan[1]. Ocho poemas están entrelazados dentro del tejido de la forma sinfónica. El trabajo se inspiró en el caso de varios soldados neozelandeses que habían sido condenados en un consejo de guerra y fusilados por deserción en la Primera Guerra Mundial. Un artículo periodístico describía a uno de los soldados como viviendo con una mujer francesa.
Vincent O'Sullivan agregó el siguiente comentario a su obra. Que un joven deserte y se enamoró de una mujer local, va en contra de las convenciones aceptadas de la guerra. Sin embargo, me llamó la atención que hubiera un heroísmo propio en esta historia, una postura a favor de la certeza emocional y la libertad cuando todo funcionaba en su contra. Las dos voces de estos poemas, la del soldado y la de la mujer, cruzan y vuelven a cruzar ese terreno: la libertad sin esperanza, el amor fatal, el coraje para intentarlo, la certeza de la pérdida. Esta es la tragedia de la guerra, ya que nos llega desde ángulos inesperados.
El primer movimiento lleva la indicación negra = 116, tomando la forma de un allegro. Corresponde a los dos primeros poemas. El primero:
El resplandor de los metales
Y las banderas y el brillo
Y la embriaguez de la larga noche
¡Al destello frío del amanecer!
Cómo suenan los gritos
Y los discursos revuelven,
¡Cómo los jóvenes del Imperio están locos por la guerra!
El resplandor de los metales
Y las banderas y el brillo,
¡Somos héroes marchando por las calles del verano!
El segundo poema:
Es encantador, ya sabes, simplemente el marchar
a través de los campos, a través de los campos,
El torrente de amapolas,
Silbando con sus compañeros, riendo con sus compañeros –
Luego los números en las cruces deletreando sus fechas.
La primera vez que cayó la nieve fue una maravilla
Como se recubrieron los caminos,
Los techos del pueblo
Eran como un niño los dibuja
Y el cielo estaba tranquilo con el blanco de las colinas –
Y el amanecer era tranquilo con una tranquilidad que mata.
¿Por qué estoy aquí, por qué estoy aquí?
Para tu país, muchacho, para tu país.
Y el grito como en el infierno
Cuando el cielo está ardiendo y con olor a cordita
Deletreas tu hogar, está más lejos de lo que jamás dirás.
Es tan encantador, ya sabes, simplemente caminar
caminar a través de los campos.
Ver obscurecer el cielo,
Los colores se desvanecen, la banda dibuja la respiración.
Están doblando las banderas alrededor del parque.
Escucha al compañero a tu lado decir que su nombre es muerte.
El segundo movimiento lleva la indicación negra = 52. Se trata del movimiento lento de carácter lírico. Corresponde a los poemas tres, cuatro y cinco.
El tercer poema:
Ella está de pie con las otras mujeres, mirando,
Mientras cruzamos su ciudad, esta marcha sangrienta sin fin,
Ella se para en una puerta y sus ojos están brillando,
Y sé que soy yo la que está mirando, soy yo.
Y pienso en todas las chicas que nunca he conocido,
El vacío que regresa mientras marchamos de la ciudad,
pienso en la mañana y los cascos que bajan,
Ella todavía está allí esperándome, esperando.
Ella es el silencio en el centro donde los asesinatos deliran.
Ella está llamando desde su puerta, oh tanto que salvar!
'Sois sage', me dirá, 'sois sage, mon brave'.
Estoy caminando hacia ella. Me estoy alejando.
El cuarto poema:
¡Habla del río!
¡Habla del verano!
Cuando el sol era nuestro reloj
y el hoy era para siempre
Y el brillo en el prado –
Nunca terminaría,
'Nunca, dice mi soldado riendo'.
Y la noche tan clara
Y la luna subiendo
Y el brillo en el río
Con los últimos peces remontándolo
Y el cielo tan cerca –
Estaba allí para tocarlo
'Podrías casi tocarlo, dice mi soldado nostálgico'.
Escucha la señal del arbusto
Desde el soporte de totara[2]
La llamada del Morepork[3] y el silencio
Descendente – amor, toma mi mano.
Toda la noche la llamada
Y el silencio cayendo
Y el flechazo
'Como recuerdo, dice mi asustado soldado'.
El quinto poema:
Estamos parados en un prado,
En el prado por la mañana, a la sombra de los árboles:
me pregunta, mi amor,
¿no puedes oler el verano?
Le digo, amada mía,
Es tarde, ven más cerca.
Y nos paramos en la oscuridad
Y oímos el ruido sordo,
El ruido sordo de la artillería,
Me estoy ahogando
En este barro extranjero,
En el ruido sordo de la artillería.
No, no lo eres, mi muchacho,
No lo eres, mi muchacho extranjero,
Vamos a vagar en el verano
que nunca has tenido.
El tercer movimiento lleva la indicación negra = 112. Es un episodio de gran dramatismo precedido por una extensa introducción musical. Corresponde al scherzo de la forma sinfónica. Utiliza el texto del sexto poema.
El sexto poema:
Están llamando a la puerta,
Están llamando, golpeando,
La oscuridad no puede abrazarnos,
Oh, está amaneciendo.
Él está desnudo como un poste
En la luz fría del amanecer.
Le han atado las manos Le han tapado los ojos
A medida que el amanecer llega golpeando,
Su corazón está acelerado, acelerado.
Está muerto como un poste
En el amanecer.
El cuarto movimiento lleva la indicación negra = 50. Un emotivo movimiento lento de tristeza y de nostalgia, Utiliza los poemas siete y ocho.
El séptimo poema:
Nunca estaré allí,
Aquellos lugares de los que vine –
Nunca escucharé el ruido del pájaro al amanecer.
El arroyo a la luz del sol
El correr de bandadas plateadas,
Los anchos cuerpos de las olas
Una vez terminado el día.
El brillo en las calles
Y las pisadas por el parque,
Los juegos del sábado
Y los caballos al galope,
nunca los volveré a ver,
Ni mi niño otra vez,
El niño en mi puerta
En la lluvia primaveral.
'Non, non, jamais,
Mon amour, jamais
Qu’il dit moi, jamais'
El octavo y último poema:
¿Quién, quién es este joven que camina
en mi vida, a través de mi tierra?
¿El muchacho que me toca la cara
Con su mano suplicante?
Este chico con barro en las botas,
¿Sangre en la boca?
Él es el héroe del que hemos oído hablar,
Que dice No a la muerte
El hombre que llama a la vida:
'¡Me niego a morir!'
Mi niño, mi amor, mi héroe,
'¡Llena la tierra y el cielo!'
Después de las apasionadas frases finales una tranquila coda cierra la sinfonía, mientras se escucha el canto lejano de la joven como una llamada del más allá.
Harris se aficionó a la música Klezmer. Es la música tradicional de los judíos askenazis[4]. Proviene de la Europa central y del este, existiendo al menos desde el Siglo XV. Este género musical tiene sus raíces en la música del Oriente Medio, en la música eslava y tzigana. Los instrumentos más empleados en este tipo de música son el violín y el acordeón.
El propio compositor nos habló de ello en 2016, cuando presentó un disco con el conjunto The Kugels, un ensamble formado por violín, acordeón clarinete, contrabajo y soprano.
Debido a que siempre he estado interesado en el trabajo de artistas como Gustav Mahler, Woody Allen, Hannah Arendt, Paul Celan, The Coen Brothers y Tony Judt y tener un pequeño acordeón escondido sin usar, la invitación a unirse a una banda klezmer parecía intrigante.
Cambió mi vida. Las melodías originales que evolucionaron en los Shtetls de Europa del Este y encontraron su camino hacia el mundo a través de los emigrantes judíos, eran una música folclórica muy directa y emocionalmente poderosa. Los modos característicos me parecieron interesantes, pero sobre todo disfruté de la inusual yuxtaposición de acordes y melodías. No pude evitar incursionar y pronto The Kugels tenían una treintena de mis melodías en su repertorio para unir con melodías tradicionales.
La "Sinfonía Nº 3” fue compuesta en 2008 para la Orquesta Filarmónica de Auckland, mientras Ross Harris se encontraba como compositor en residencia en la Escuela de Música de Nueva Zelanda. La obra se inspiró en las pinturas de Marc Chagall y en la música Klezmer. Había estado tocando el acordeón en una banda de Klezmer en Wellington durante aproximadamente un año antes de comenzar a trabajar. Estaba intrigado por el género y comencé a escribir melodías influenciadas por Klezmer para que las tocara la banda.
Algunas de estas melodías se tratan como temas sinfónicos, que se desarrollan y transforman, mientras que otros se citan como melodías de la música popular. Hay referencias pasajeras a bailes, marchas y el uso del violín solo y la apariencia novedosa del acordeón hace referencia a ideas musicales de tipo folclórico inspiradas en el Klezmer.
La sinfonía está compuesta en un solo movimiento dividido en cuatro secciones con el material temático desarrollándose a lo largo de la obra. Las complejas secciones generalmente alternan entre música lenta y rápida. A veces la música es muy transparente y simple, otras veces surgen densas texturas en forma de red.
La primera sección, negra = 52, de carácter lento se abre con una dispersión de ideas unidas por una línea de bajo lentamente descendente. Harris nos envía todos sus pensamientos a la vez; como si hubiéramos conocido a todos los personajes de una novela difícil en la primera página. Pero a medida que la sinfonía avanza, las texturas se diluyen y las escuchamos por sí solas. Oímos la fiereza, el humor y la belleza de todos ellas y cómo están interconectadas en un lienzo extendido.
La segunda sección, negra = 104, corresponde al allegro durante el cual los temas aparecen con más claridad. A semejanza de la obra artística de Marc Chagall contiene elementos figurativos junto a la abstracción atonal, en forma de un extenso puzle.
La tercera sección, negra = 69, sería el adagio de la obra. Contiene estructuras más transparentes con numerosos solos instrumentales tanto de la madera como de la cuerda en su parte final. Una sección más agitada precede un solo de violín que la une con la última sección.
La cuarta sección, negra = 72, es la más extensa y desarrollada. Se inicia con solos de la madera, continuando con una multitud de fragmentos de carácter diverso, pasando de secciones líricas a rítmicas, de serias a trágicas de un modo continuado. Una mezcla de abstracción atonal salpicada por momentos de clara melodía le proporcionan su aspecto polifacético. En la parte central se encuentra un poderoso clímax, pero pronto regresan estructuras más transparentes. Una potente sección rítmica con claros motivos kletzmer. Termina con una sección de carácter lírico con un tranquilo solo de violín
Se puede escuchar como el desarrollo de un viaje, siguiendo caminos siempre descubriendo paisajes variados cuyo destino es incierto o desconocido. Casi podría pensarse en una saga, una historia que a veces es misteriosa, a veces divertida, a veces trágica pero, siempre estimulante para la imaginación del oyente.
El "Concierto para violín" compuesto en 2010 se desliza entre la tonalidad y la atonalidad empleando un material en forma rapsódica. El "Concierto para violoncelo" compuesto en 2011 en un solo movimiento continuo nos conduce de la obscuridad a la luz.
La "Sinfonía Nº 4” (To the Memory of Mahinārangi Tucker) fue compuesta en 2011 por un encargo de la Auckland Philharmonia Orchestra con fondos de Creative New Zealand. Es un retrato de la artista Maorí, judeo, Mahinārangi Tocker (1955-2008) compositora, poeta y escritora de canciones, muerta trágicamente de un ataque de asma, tres años antes de la composición de la obra.
Cada uno de los cinco movimientos empieza con una breve referencia a una de las canciones de Mahinārangi, el sonido fúnebre de campanas y los sones entrelazados de un solo de viola y arpa como reminiscencia de la guitarra de la poeta maorí.
El primer movimiento, The sea mimics a thousand applauding kanuka[5], el mar imita a mil kanukas aplaudiendo. Después de la introducción, este movimiento recuerda el sonido de las olas rompiendo en una playa, con su espuma y turbulencias, evocado mediante remolinos de la madera y tambores.
El segundo movimiento, I'm happy, dressed for laughter, Cave me wild under tonight's moon, Soy feliz, vestida para reír, tómame salvajemente bajo la luna de esta noche. El movimiento en forma de danza de carácter atonal similar a un scherzo, evoca el carácter salvaje y maravilloso de la cantante. Termina con un episodio de transición con fúnebres campanas.
El tercer movimiento, The window fogs. To track my finger smudge my eyes in mist, in questions asked of beauty, la ventana se niebla. Para seguir mi dedo mancha mis ojos con niebla, en preguntas sobre la belleza. Corresponde al movimiento lento de la sinfonía, con escasa textura, poesía del vacío. Solos de la madera y el violín le otorgan un carácter nebuloso.
El cuarto movimiento, I'm the only one turning. The World has stopped ..., soy el único que gira. El Mundo se ha detenido ..., En este movimiento un solo de la viola gira violentamente contra acordes sostenidos de la orquesta. La música se desarrolla llevándonos hacia una especie de locura rítmica, para terminar colapsando en la introducción del último movimiento.
El quinto movimiento, No sky in her day. Nor clouds below her feet. No body to shroud her in linen. Of earth's flax woven warmth. Sin cielo en su día. Ni nubes bajo sus pies. Ningún cuerpo que la envuelva en lino. Del calor del tejido de lino de la tierra. El movimiento se calma en forma de un lamento, terminando con una cita instrumental de la canción Forever de la propia Mahinārangi Tocker
I will not walk these streets of angels
into forever alone
No caminaré estas calles de ángeles, para siempre solo
La "Sinfonía Nº 5” fue compuesta en 2013 para soprano y orquesta, estando basada en tres poemas de la poetisa húngara Panni Palasti, que forman el núcleo sentimental de la música. Se estrenó en el Auckland Town Hall en agosto de 2013, interpretada por la Auckland Philharmonia Orchestra con la mezzo-soprano Sally-Anne Russell, dirigidos por Eckehard Stier.
Panni Palasti nació en Budapest educándose allí. Entró en los Estados Unidos en 1956 como refugiada después de la revolución húngara, continuando sus estudios en New York, San Francisco y Los Angeles. Trabajó como profesora y escritora en California antes de embarcarse con su marido y su hijo hacia Nueva Zelanda. Su poesía está fuertemente influenciada por la tragedia que vivió en su juventud como explica personalmente.
Muchos de mis poemas reflejan mis tempranas experiencias, incluyendo estar frente a la muerte en un bombardeo durante el sangriento asedio de Budapest en la Segunda Guerra Mundial, cuando era una niña intentando esconder a mi padre de la Gestapo.
El primer movimiento, adagio I, es tan oscuro y austero como una pintura de Hotere. A lo largo de una nota sostenida de bajo se le suma el tranquilo contrapunto de la madera, por supuesto que mira hacia el pasado hacia Bach, pero hay momentos también de Lilburn, toques de sonido electroacústico, una sensación de lógica interminable que mira siempre hacia adelante. Eventualmente las cuerdas al unísono son persuadidas para añadir su línea contrapuntística a lo que es uno de los grandes movimientos sinfónicos de Harris.
El segundo movimiento, The line-up, hacer cola, pone música al primero de los poemas siguiendo la línea trágica del anterior movimiento. La soprano canta los versos en forma de inocentes canciones folclóricas acompañada por una aérea orquestación.
El tercer movimiento, scherzo I, nos hace sentir el horror al escuchar los pasos de las botas y de las bandas militares, aún más por el contraste pacífico de las canciones en las que se siente esconderse a la joven Palasti.
El cuarto movimiento, Candlelight, a la luz de una vela, nos presenta el segundo poema cantado por la soprano con una voz suave acompañada por una tenue armonía.
El quinto movimiento, scherzo II, escrito principalmente para cuerda puede parecer más retraído y delicado pero es tan perturbador como los sonidos de marcha del anterior scherzo, solo que esta vez como imagen solo se podría pensar en una danza fantasmagórica en un cementerio. La violencia de la música es un reflejo de las palabras del poeta.
El sexto movimiento, Lessons learned from my father, lecciones aprendidas de mi padre, pone música al tercero de los poemas cantado por la soprano en el estilo sencillo de los anteriores.
El séptimo movimiento, adagio II, del mismo modo que el primero es una especie de consolación de los horrores que vivió la poetisa en su niñez. Un movimiento lento que es como una reflexión sobre lo que hemos escuchado termina tranquilamente, pero aquí hay una sensación de que es difícil encontrar el acorde menor en el registro agudo de las cuerdas, que está buscando Harris. Con las quejas del bajo todavía refiriéndose al comienzo de la sinfonía, el compositor nos ofrece una tranquilidad incómoda y extrañamente perturbadora.
La "Sinfonía Nº 6” (Last Letter) fue compuesta en 2015 y se estrenó en 2016 interpretada por la Auckland Philharmonia Orchestra dirigida por Giordano Bellimcampi con la mezzosoprano Fiona Campbell. La sinfonía consiste en la puesta en música de cuatro poemas de Vincent O'Sullivan separados por tres interludios orquestales.
Vincent O'Sullivan nacido en 1937 es uno de los más importantes escritores de Nueva Zelanda, un prolífico poeta, novelista, escritor de relatos cortos, crítico, editor, biógrafo y libretista.
El primer movimiento, Last Letter Home, es el origen del título de la sinfonía, siendo determinante del carácter de la obra. El poema está inspirado en una noticia sobre una mujer iraniana, Reyhaneh Jabban, que fue condenada a muerte y ejecutada en octubre de 2014, por matar en defensa propia a un policía que la había violado. Su último deseo expresado en la carta que escribió a su madre, fue que las partes de su cuerpo fuera dadas a quien las necesitara y que le llevara flores.
El escritor del poema cuenta los motivos que le llevaron a su escritura. Cuando leí la noticia de la ejecución de esta valerosa e inteligente joven y su maravillosa carta en seguida pensé que tenía la expresividad emocional y el significado humano que proporcionaría a Ross Harris un amplio cuadro de trabajo y le ofrecería el grado de profundidad que tan bien sabe explorar.
En las secciones vocales Harris hace soportable la obscuridad del tema mediante la belleza consoladora de la música, que enfatiza con las palabras de la cantante.
El segundo movimiento, Interlude I, es un fragmento orquestal que expresa el propio sentimiento del compositor, preocupado, desesperado y en algunos momentos furioso, usando una música muy condensada y de gran expresividad.
El tercer movimiento, Mother I asked you, es una versión de una canción folclórica griega en la que una hija muerta pide a su madre que no cante sobre ella cuando el sol se haya puesto. Pues es cuando Caronte cena con su familia, cuando traigo una bandeja para servirlos.
El cuarto movimiento, Interlude II consiste en una reflexión orquestal sobre el anterior texto. Música de carácter funerario con intervenciones de la madera en su registro agudo en la parte central.
El quinto movimiento, This word I carry with you, esta palabra la llevo contigo, se expande sobre estas palabras temáticas. Un poema que nos habla de la desesperación de una madre al no poder escuchar las palabras de su hija muerta. La música de carácter triste acompaña las palabras desconsoladas.
El sexto movimiento, Interlude III, expresa dolor y al mismo tiempo rabia comentando musicalmente mediante un breve fragmento orquestal las palabras del poema.
El séptimo movimiento, Listen as I tell you, escucha lo que te digo, se basa en una adaptación de un poema de la poetisa chilena Gabriela Mistral. La mayor parte del texto pertenece o está adaptado del poema La Medianoche. La misteriosa referencia a los muros de Arlés concluyen el poema que reproducimos a continuación en la versión original de Gabriela Mistral.
La Medianoche
Fina, la medianoche.
Oigo los nudos del rosal:
la savia empuja subiendo a la rosa.
Oigo
las rayas quemadas del tigre
real: no le dejan dormir.
Oigo
la estrofa de uno,
y le crece en la noche
como la duna.
Oigo
a mi madre dormida
con dos alientos.
(Duermo yo en ella,
de cinco años.)
Oigo el Ródano
que baja y que me lleva como un padre
ciego de espuma ciega.
Y después nada oigo
sino que voy cayendo
en los muros de Arlès
llenos de sol ...
"Faces" compuesta en 2018 para la conmemoración de la Primera Guerra Mundial está basada en el trauma sufrido por soldados con heridas en la cara, en forma de canciones sinfónicas y corales. Escrita en un estilo libre mezclando elementos tonales y atonales para lograr una mejor expresión.
Nombrado laureado en artes por la Arts Foundation en 2014, Harris es uno de las principales compositores de Nueva Zelanda. Ha escrito más de doscientas composiciones, con un repertorio que abarca ópera, obras sinfónicas, piezas de cámara, klezmer y música electrónica. Ha sido finalista en el prestigioso SOUNZ Contemporary Award nueve veces, y ganó el premio en cuatro ocasiones.
[1] Vincent O'Sullivan es poeta, novelista, cuentista y biógrafo. También ha trabajado con Ross Harris en dos óperas y varios ciclos de canciones.
[2] Podocarpus totara es una especie de árbol podocarpio endémico de Nueva Zelanda
[3] Especie de búho de Nueva Zelanda
[4] Es el nombre dado a los judíos que se asentaron en la Europa Central y Oriental.
[5] Una especie de árboles cuyas hojas producen un aroma rico y agradable cuando se aplastan. Originaria de Australia y Nueva Zelanda, ha sido utilizada como medicina por los maoríes.