Seóirse Bodley (1933-) nació el 4 de abril de 1933 en Dublín. Estudio en los suburbios de Dublín de Phibsboro y Glasnevin antes de cambiarse cuando tenía 9 años a la escuela de habla irlandesa Christian Brothers de Parnell Square y después a la Escuela de Comercio de Rathmines, donde obtuvo el Leaving Certificate el título que se recibe al final de los estudios secundarios en Irlanda.
En música recibió las primeras lecciones de su padre en mandolina y de su madre en piano. Luego estudió en la Royal Irish Academy of Music, obteniendo una licenciatura en piano del Trinity College de Londres. También a los 13 años se matriculó por un tiempo en la Brendan Smith Academy of Acting .
Mientras todavía estaba en la escuela, Bodley recibió sus primeras lecciones de composición en privado del director de coros alemán Hans Waldemar Rosen (1904-1994), con sede en Dublín, que continuó hasta 1956.
Desde sus días de estudiante, participó como acompañante de cantantes y en actuaciones de música de cámara. Un elemento importante en su educación musical fueron los conciertos gratuitos ofrecidos dos veces por semana por la Radio Éireann Symphony Orchestra en el Phoenix Hall, Dame Court, donde tuvo la oportunidad de escuchar a destacados intérpretes y directores irlandeses e internacionales, incluyendo tanto clásicos como repertorio moderno.
Desde 1952 hasta 1955 realizó una licenciatura en Música en el University College Dublin (UCD), principalmente con Anthony Hughes. De 1957 a 1959, estudió composición con Johann Nepomuk David y dirección de orquesta en la Musikhochschule Stuttgart, de Alemania y un año más tarde obtuvo un Doctorado en Música de la UCD. También tomó clases de dirección con Hans Müller-Kray y Karl Maria Zwißler y de piano con Alfred Kreutz. Regresó a Alemania varias veces a principios de la década de 1960 para participar en cursos en el Darmstädter Ferienkurse, lo que amplió significativamente sus conocimientos en técnicas vanguardistas.
Desde 1959 hasta su jubilación en 1998, Bodley fue profesor del departamento de música de University College Dublin, convirtiéndose en profesor asociado en 1984. Durante la década de 1960, Bodley fue director de la Sociedad Coral de Culwick.
El desarrollo de Bodley como compositor vio varias fases distintas, pero es particularmente durante la década de 1970 cuando fusionó estilos vanguardistas con elementos de la música tradicional irlandesa que se convirtió en una figura de importancia nacional. Recibió varios encargos prestigiosos para obras a gran escala como la Sinfonía Nº 3 de 1981.
En 1982 se convirtió en miembro fundador de Aosdána, una institución irlandesa que se ocupa de distinguir a los artistas destacados de dicha nacionalidad y fue honrado con la distinción de Saoi, que literalmente significa sabio, siendo el mayor honor otorgado a los miembros de la asociación, por su presidenta Mary McAleese en noviembre de 2008. McAleese en su elogio dijo que Bodley nos ha ayudado a refundar lo que significa ser artista en Irlanda.
La primera composición significativa de Bodley fue su "Music for Strings", que fue estrenada el 10 de diciembre de 1952 por los Dublin Orchestral Players bajo la batuta de Brian Boydell. Entre sus obras posteriores se encuentran siete sinfonías, cinco para orquesta completa y dos para conjunto de cámara. una amplia gama de música instrumental y vocal, cuatro cuartetos de cuerda y varios grandes ciclos de canciones.
El musicólogo irlandés Axel Klein (1996) distingue cuatro fases creativas en la obra de Bodley. La primera abarca los primeros años hasta 1961, cuando las influencias de Paul Hindemith y de su maestro de Stuttgart J. N. David fueron apreciables en obras como su "Música para cuerdas" o la "Sonata para violín" de 1959. También armonizó numerosas melodías tradicionales irlandesas para coro y orquesta, y escribió una serie de canciones. Esta es una fase en gran parte tonal, reflejando sus habilidades técnicas más que cualquier gran grado de originalidad.
La “Sinfonía Nº 1" fue compuesta entre 1958 y 1959 perteneciendo a su primera época compositiva. Se estrenó el 23 de octubre de 1960 en el Gaiety Theatre de Dublín interpretada por la Radio Éireann Symphony Orchestra dirigida por Hans Müller-Kray. Con una duración de unos 20 minutos está escrita en un solo movimiento.
Perteneciente a la primera época del compositor la música está dominada por la cuerda con una fuerte influencia de Paul Hindemith. Música que se encuentra en el límite de la tonalidad.
Hay un marcado desarrollo en obras de la década de 1960 empezando por el "Divertimento para orquesta de cuerdas" compuesto en 1961 y continuando particularmente después de sus tres visitas a la Escuela de Verano de La Nueva Música de la escuela de Darmstadt en 1963, 1964 y 1965, que fueron posibles por la concesión de una beca Macauley en 1962.
Estos cursos le llevaron a la creencia de que el estilo vanguardista que se enseñaba allí era casi la única manera de que la música pudiera desarrollarse. Las obras clave de esta fase incluyen la pieza para piano "Preludio, Toccata y Epílogo" compuesta en 1963, la "Sinfonía de Cámara Nº 1", el "Cuarteto de Cuerdas Nº 1" de 1968 y las "Meditaciones sobre textos de Patrick Kavanagh" de 1971. El Cuarteto de Cuerdas ha sido descrito como una obra de extrema complejidad, representando un pico de abstracción único en la obra de Bodley.
La “Sinfonía Nº 1 para orquesta de cámara" fue terminada en enero de 1964. Su orquestación utiliza una combinación de instrumentos solistas con un resultado de claras líneas fuertemente coloristas. Está orquestada para un conjunto de cámara compuesto por once instrumentistas. Un cuarteto de cuerda, flauta, fagot, trompa, arpa, piano y dos percusionistas.
El primer movimiento, largo, allegro, usa técnicamente tanto los procedimientos dodecafónicos como la composición libre, Posee características tanto líricas como dramáticas, haciendo uso frecuentemente de una caleidoscópica coloración.
El segundo movimiento, allegro, es totalmente dodecafónico de carácter dramático. Una música dura escrita en un estilo vigoroso, moviéndose rápidamente en un implacable recorrido.
El tercer movimiento, elegy, adagio, está escrito en un estilo libre. Empieza con un pasaje escrito para platillos y gong, presentando luego una música de carácter elegíaco interpretada por la cuerda. La flauta, el fagot y el arpa continúan este tenso y melancólico movimiento.
El cuarto movimiento, allegro, escrito en una mezcla de música dodecafónica y de carácter libre, es alegre y lleno de fuerza. Emplea principalmente el violín, la trompa y el violoncelo. En su parte final se reexpone brevemente la introducción lenta de la sinfonía, antes de la rápida coda que concluye la obra.
Una sinfonía de carácter abstracto, bastante difícil de escuchar que utiliza el estilo musical aprendido durante sus cursos de verano en Darmstadt.
"A small white cloud drifts over Ireland" es una pieza orquestal compuesta en 1975. Obra caleidoscópica con claros temas de influencia folclórica irlandesa. Vista desde la perspectiva de una pequeña nube blanca a la deriva sobre Irlanda, como nos indica su título, la música realiza una pintura de la nación.
Una tercera fase de trabajo se puede distinguir entre 1972 y 1980 caracterizándose por un intenso discurso entre los modismos de la música tradicional irlandesa y la vanguardia europea. Esto es obvio en obras como "The Narrow Road to the Deep North" para dos pianos de 1972; con versión para piano de 1977.
También destaca en esta época el extenso ciclo de canciones "A Girl" compuesto en 1978 sobre textos de Brendan Kennelly. Ha sido apreciado por un uso más coherente y desafiante de la música tradicional en un contexto moderno, que ya no buscaba fusionar lo tradicional con lo sofisticado, sino que se enfrentaba abiertamente a los diferentes materiales musicales, melodías tradicionales chocando con disonancias modernas, tríadas con clusters.
La “Sinfonía Nº 2" (I have loved the lands of Ireland) fue terminada en 1980. Escrita por un encargo del Gobierno de Irlanda para la conmemoración del centenario del nacimiento de Pádraig Pearse (1879-1916), poeta y activista político nacionalista irlandés, que fue ejecutado en 1916 por las tropas británicas, por su intento junto con otros compañeros de llevar a cabo la independencia de Irlanda.
Se estrenó el 9 de enero de 1981. Con su título en gaélico, Ro grádaiges íatha Éirenn, he amado la tierra de Irlanda, evoca tres aspectos de Irlanda, realidad, experiencia y mito. Los mitos se expresan en forma de tres Aisling, piezas poéticas que expresan una visión irlandesa de una realidad psicológica.
Aisling es un nombre irlandés que significa sueño o visión. Se refiere a un género poético que se desarrolló en la poesía irlandesa durante los siglos XVII y XVIII. En el aisling, Irlanda se aparece al poeta en una visión en forma de mujer: a veces joven y hermosa, a veces vieja y demacrada. Esta figura femenina se conoce generalmente en los poemas como un Spéirbhean, mujer celestial. Lamenta el estado actual del pueblo irlandés y predice un inminente resurgimiento de su fortuna, generalmente vinculada al regreso de la Casa Católica Romana de los Estuardo a los tronos de Gran Bretaña e Irlanda.
La forma se desarrolló a partir de un género anterior no político, en el que el poeta conoce a una mujer hermosa y sobrenatural que simboliza la primavera, la abundancia de la naturaleza y el amor.
El compositor escribe las siguientes frases sobre su obra. Las expresiones de realidad y experiencia en los primitivos poemas irlandeses son tan vivas como antes. De forma similar las figuras míticas incluyen realidades psicológicas esenciales. Los mitos son irlandeses, pero también universales. Pasado, presente y futuro se encuentran en estas áreas de la psique donde los mitos se mantienen alejados.
Todos los títulos de los movimientos están tomados de antiguas fuentes irlandesas. En esta obra he considerado los terrenos del título en el sentido de territorios del alma irlandesa y su espíritu. Estos terrenos pueden subdividirse en esta obra en las actuales expresiones de la realidad irlandesa, los mitos y la experiencia irlandesa.
El primer movimiento, allegro moderato, lleva el subtítulo The sun shines through the windows, el sol brilla a través de las ventanas. Expresa una realidad actual percibida vivamente. El siguiente texto es una nota dejada por un desconocido escritor en los márgenes de la página del manuscrito de la obra.
Agradable es el brillo del sol en estos márgenes porque centellea de este modo
La música del movimiento expresa la esencia del poema mediante acordes y melodías con un carácter dorado o resplandeciente.
El segundo movimiento, andante, se titula Exile. La experiencia irlandesa en este caso está expresada por las palabras de Colmcille. Una experiencia viva en la mente del pueblo irlandés durante muchos siglos. San Colum Cille o Colmcille, que significa paloma de la iglesia, fue una figura destacada entre los monjes misioneros gaélicos que reintrodujeron el cristianismo en Esccia a comienzos de la Edad Media, una de las figuras más importantes de la Iglesia celta.
Hay un ojo gris que en Irlanda volverá la vista atrás, para no ver más a los hombres de Irlanda o a sus mujeres.
La música intenta expresar la dureza opresora del exilio. Recuerdos en breves flashes de memoria, el Blackbird del sexto movimiento se anticipa aquí y sentimientos de nostalgia son expresados mediante amplias frases melódicas.
El tercer movimiento, allegro, lleva como subtítulo Aisling I, Morrigan. La primera escena mitológica sobre la diosa celta de la guerra y de la destrucción. Una diosa dual, diosa del amor y de la vida, pero también de la muerte. La reina de los demonios que se convirtió en una anguila para hacer caer a Cuchulainn en una batalla. Es la figura demoníaca que odia todas las hazañas heroicas intentando destruirlas.
Un sentido de alegría demoníaca perversa penetra la música, que a veces es siniestra y a veces vigorosa. Cuando aparece la nobleza reflejada mediante un solo de trompeta, es solo para ser objeto de burla por los clarinetes en su registro agudo.
El cuarto movimiento, moderato, Love, amor, presenta la segunda parte de la experiencia irlandesa. En esta ocasión el amor está expresado en las palabras del Fiannaiocht, un ciclo de la mitología irlandesa centrado en las hazañas del héroe mítico Fionn mac Curnhaill. En este caso se trata de las palabras de Grainne al anciano Fionn sobre el joven Diarmuid. Es una historia del ciclo feniano de la mitología irlandesa y trata sobre un triángulo amoroso entre el gran guerrero Fionn mac Cumhaill, la bella princesa Gráinne y el amante de ésta, Diarmuid Ua Duibhne.
Hay alguien sobre el que quisiera amarlo para contemplarlo, para el cual quisiera darle el completo mundo brillante, todo para ello, todo para ello, aunque fuera grande el sacrificio.
En este movimiento la orquesta está reducida a la delicadeza en pequeña escala. Para ello se emplean simples recursos, melodías al estilo irlandés interpretadas por el corno inglés y el clarinete sobre acordes sostenidos, bloques corales y una melodía presentada por dos violines solistas.
El quinto movimiento, allegro, Aisling II, Cuchulainn. En el segundo mito presenta al héroe celta por excelencia, el héroe joven que se ríe de la muerte, siempre buscando el desafío y cuyas hazañas heroicas le sobrevivirán.
La música expresa conflicto y desafío mediante una energía salvaje. El sentimiento de desafío está representado fuertemente mediante timbales cercanos y lejanos, que se contestan unos a otros. Los efectos antifonales usados en este movimiento simbolizan el conflicto y desafío abordados con coraje. Abundan los acordes del metal, separados por extensas melodías o por contrastados pasajes para cuerda y madera.
El sexto movimiento, andante, lleva el subtítulo de The Blackbird, el mirlo, expresando la realidad irlandesa. Una inmediata percepción de las cosas como son, que es una de las fuentes del patriotismo. Con su título de el mirlo el movimiento está precedido por los siguientes versos.
El pájaro que llama desde el sauce, hermoso es su pequeño pico con su pura canción, dulce amarillo pico de un robusto obscuro ser, diestro es el tono que canta, la voz del mirlo.
El piccolo toma el personaje del Blackbird sobre la sostenida música de la cuerda, entremezclado con trinos de la flauta y del clarinete. Según dice el compositor la música del mirlo está basada en la que grabó hace algunos años. El canto original del Blackbird está armonizado libremente en el estilo musical irlandés.
El séptimo movimiento, allegro, Aisling IIi, Banba, que en el Aisling del Siglo XVIII, Irlanda aparece en la forma de una bella mujer, su diosa protectora. Una vigorosa introducción nos conduce a una llamada de la trompa. Está seguida por una melodía casi de estilo vocal apareciendo como si Banba fuera invocada por una voz humana. Un redoble de timbal introduce la primera visión de Banba mediante una melodía larga y sostenida.
Una sección bastante larga y activa conteniendo mucho material contrastante libre, nos conduce a través de otro breve redoble de timbal, a la reaparición del tema de Banba, en una forma más intensa llegando a su clímax. Después de su descenso la música recobra su aliento mediante un trémolo para solo de violín mientras la visión se desvanece. Los últimos breves compases, estando relacionados con la sección intermedia del movimiento, finalizan la sinfonía de forma vigorosa.
La "Sinfonía Nº 3" (Ceol) fue compuesta en 1980 para voces solistas, soprano, mezzosoprano, tenor, barítono, coro mixto, coro infantil, narrador y orquesta. El texto se basa en poemas escritos especialmente por Brendan Kennelly.
Se trata de una obra programática con una duración de unos 25 minutos, encargada por la RTÉ en ocasión de la inauguración de la National Concert Hall en Dublín. Se estrenó allí el 9 de septiembre de 1981 interpretada por la mencionada orquesta, con la soprano Violet Twomey, la mezzosoprano Bernadette Greevy, el tenor Louis Browne, el barítono William Young, el narrador Aindreas Ó Gallchoir, RTÉ Singers, RTÉ Chorus, Our Lady's Choral Society, Boys of St. Patrick's Cathedral Choir bajo la dirección de Colman Pearse.
A diferencia de su segunda sinfonía en esta el programa es subliminal. Compuesta en tres movimientos en una nota escrita por el compositor expresa que el último movimiento presenta las ocultas profundidades que se encuentran detrás de la música, al final del cual la música retorna nuevamente a aquella misteriosa silenciosa región donde se había originado
Está orquestada para tres flautas, dos oboes, dos clarinetes, tres fagots, cuatro trompas, tres trompetas, tres trombones, tuba, timbales, dos percusionistas, arpa, celesta y cuerda.
Una cuarta fase de trabajo menos claramente definida siguió durante las décadas de 1980 y 1990, con composiciones que reflejaban influencias irlandesas y europeas. Ejemplos de este estilo maduro se pueden encontrar en "Phantasms" de 1989, una pieza de cámara de 20 minutos para flauta, clarinete, arpa y violonchelo, y en su "Cuarteto de Cuerdas Nº 2" de 1992, en la que los rasgos melódicos de la música tradicional irlandesa se aplican de una manera muy sutil. En obras a gran escala como sus Sinfonías 4 y 5 escritas por encargo público lo llevaron en parte a un estilo neo-romántico con muy poco parecido con las fases anteriores de su producción.
La "Sinfonía de cámara Nº 2" compuesta en 1982 está escrita en cinco movimientos, moderato, adagio, allegro molto, adagio y allegro.
La “Sinfonía Nº 4" fue escrita para la Orquesta Sinfónica de la Emilia Romagna, Arturo Toscanini, terminada en 1991 y estrenada el 21 de junio del mismo año en el Teatro Farnese de Parma por la mencionada orquesta dirigida por José Ramón Encinar.
El compositor escribe unas notas sobre su sinfonía que traducimos a continuación. Esta obra combina elementos ya utilizados en mi trabajo en diferentes ocasiones. Elementos de la música irlandesa que influencian la forma y el estilo melódico. Disonancias cortadas, formas irregulares, desarrollo de variaciones. Este último elemento es particularmente importante aquí al ser la forma a menudo bastante indefinida.
Por primera vez después de numerosos años hago referencia a la forma clásica en una de mis obras orquestales. Naturalmente los movimientos no tienen una forma clásica en sentido estricto pero se puede considerar el tercer movimiento como un scherzo y acercar el estilo del final al de un rondó.
El primer movimiento, andante, moderato, según nos indica el compositor, comparte con el segundo un material temático común, como ocurre con los movimientos tercero y cuarto. Además existen referencias cruzadas y menos evidentes entre cada movimiento. El primer tema, encargado a los violoncelos, tiene una gran importancia en los dos primeros movimientos. El segundo tema, también interpretado por los violoncelos, es la base de un gran número de elementos del segundo movimiento.
Después de la introducción lenta del primer movimiento la música del moderato progresa integrando una mezcla contrastante de música irlandesa, disonancias cortadas y variaciones. La música se desarrolla en un flujo continuo, evitando líneas de divisiones rígidas y utilizando raramente reexposiciones claramente identificables.
El segundo movimiento, andante, de carácter lento se inicia con el primer tema interpretado por los violoncelos del primer movimiento y repetido aquí por un solo de trompeta en sordina. El segundo tema del primer movimiento reaparece también en este movimiento. El material melódico es desarrollado por un solo de violín, tomando un papel más importante que en el primer movimiento.
En la sección central del movimiento el segundo tema del primer movimiento toma una particular importancia a pesar de que en el punto culminante de este movimiento es el elemento de naturaleza irlandesa el que predomina brevemente. El motivo del inicio de la trompeta reaparece otra vez antes del final.
El tercer movimiento, allegro, se puede considerar como casi un scherzo, del cual se extraerán las ideas que serán desarrolladas y que serán determinantes en el curso del desarrollo del movimiento final.
Después de los adornos que se repiten tres veces al principio del movimiento, el tema principal evoluciona de forma continuada hasta que el ritmo empieza a desmoronarse terminando por imponerse una marcha nerviosa de los metales. Pero no llega a predominar y el material que evoca un scherzo toma el mando hasta su interrupción por una sección Molto moderato, que es una referencia directa del moderato principal del primer movimiento. El continuo desarrollo de los elementos del scherzo vacila un poco hacia la marcha pero se desarrollo de modo autónomo, con algunas referencias pasajeras al Molto moderato.
El cuarto movimiento, alla marcia, allegro, se abre mediante un bosquejo de la marcha evocada anteriormente en el tercer movimiento por los metales. Forma junto con otros elementos la introducción al tema del allegro principal interpretado en primer lugar por los violines. Se trata de una forma rítmica irregular que varía de forma substancial según la medida utilizada y el emplazamiento de los acentos. El motivo de marcha interrumpe el desarrollo de esta fórmula que a pesar de todo termina siendo dominante.
Mientras la música se apaga hasta quedarse en una nota grave sostenida por el violoncelo, una voz nueva y discreta se abre camino en el seno del movimiento. Una flauta interpreta una melodía al estilo irlandés causando de este modo cierto trastorno. El tema irregular logra continuar antes de ser interrumpido nuevamente por la marcha. Este tema reaparece disfrazado en un fugato que en verdad no consigue despegar, como un breve adagio, pero es arrastrado por la serie de acordes irregulares forte que concluyen la obra.
La “Sinfonía Nº 5" (The Limerick Symphony) fue encargada por el comité organizador de la celebración del 300º aniversario del Tratado de Limerick, siendo terminada en 1991 y estrenada dicho año en Limerick en los actos conmemorativos del Tratado.
El Tratado de Limerick fue un tratado de paz firmado en 1691 en la ciudad irlandesa de Limerick que puso fin a la guerra entre los Guillermistas, los defensores de Guillermo III de Inglaterra y los Jacobitas, partidarios de la casa de Estuardo. También puso fin al segundo sitio de Limerick (1690-1691).
La llamada Revolución Gloriosa había derrocado en 1688 al último rey católico de Inglaterra Jacobo II reemplazándolo por su hija María y su marido Guillermo Enrique de Orange, estatúder de los Países Bajos, ambos protestantes. Los irlandeses católicos resistieron hasta la caída de Limerick en 1691.
La Treaty Stone, sobre la cual se supone que se firmó el Tratado de Limerick
En las cláusulas militares del tratado se imponía que los soldados del ejército jacobita derrotado podían marchar a Francia a servir bajo las órdenes de Jacobo II de Inglaterra, que había emigrado en 1688 protegido por el rey de Francia, con la llamada Brigada Irlandesa.
Los asedios de Limerick, comenta el compositor, así como el tratado que siguió son acontecimientos complejos, que tuvieron consecuencias políticas de repercusión internacional. He puesto como subtítulo a esta sinfonía La Sinfonía Limerick, con la intención de reflejar el origen humano de los acontecimientos históricos de Limerick. De modo intencionado no existen indicaciones programáticas exactas de cada movimiento. El oyente será el encargado de determinar las correspondencias. Pero no creo que serán demasiado difíciles de establecer.
Esta sinfonía es relativamente amplia, escrita en cinco movimientos. Utiliza elementos de la música tradicional irlandesa. Estos están integrados en la música más que utilizados como medio de mantener un conflicto musical. Se ha preferido el desarrollo de variaciones de la forma musical evolutiva, a la utilización de bloques temáticos contrastados. Cierto número de ideas musicales aparecen igualmente en los diferentes movimientos.
El primer movimiento, grave, allegro, empieza por una introducción lenta que hace alusión a ciertos motivos del allegro siguiente introduciendo también el tema principal del último movimiento. El propio allegro empieza con motivos agitados, evolucionando rápidamente hacia un sentimiento de resolución más tranquilo que nos conduce al siguiente movimiento.
El segundo movimiento, andantino, es de carácter tranquilo de atmósfera serena, con una orquestación ligera y delicada. Es notable el empleo de elementos solistas presentando un clima de paz.
El tercer movimiento, allegro, es de carácter vigoroso y agitado. Los timbales y los metales tienen el papel principal. El sentimiento de conflicto es el contrario del aspecto tranquilo del segundo movimiento.
El cuarto movimiento, andante, está construido alrededor de una línea melódica elegíaca sin interrupción. Como en el caso del segundo movimiento todo está orquestado con ligereza.
El quinto movimiento, maestoso, allegro, empieza mediante una introducción lenta. Tanto en esta parte como en el allegro siguiente, se basa en elementos escuchados en la introducción del primer movimiento. En este caso la atmósfera es alegre y viva, terminando la sinfonía de modo jubiloso.
La "Sinfonietta" fue compuesta en 2000.
Una posible quinta fase se produjo alrededor de 1999, comenzando con obras como las sustanciales composiciones para piano "News de Donabate" de 1999 y "An Exchange of Letters" de 2002. Bodley ahora se permite incluir elementos tonales dentro de su lenguaje libremente atonal y utilizar material generado en serie.
La música litúrgica de Bodley incluye misas como la "Mass of Peace" de 1976, "Mass of Joy" de 1978, "Mass of Glory" de 1980 y obras menores. Además ha escrito música para cine y televisión. Probablemente el trabajo más escuchado de Bodley es su arreglo orquestal de la melodía tradicional irlandesa "The Palatine's Daughter", que fue utilizada como tema musical para la serie de drama rural de RTÉ The Riordans.